John Coltrane partiu desse plano mortal há mais de cinquenta anos; hoje ele permanece entre nós, mais vivo do que nunca. Seu som continua a agarrar os ouvidos de um círculo cada vez maior de fãs. Sua lenda é sólida como pedra: plantada firmemente em nossa cultura como a de qualquer gigante musical do século XX. Seu som de saxofone - pensativo, pesquisando, sombrio - ainda é um dos mais reconhecidos no jazz moderno. Sua influência se estende por estilos e gêneros e transcende as fronteiras culturais. O ideal moderno de música que serve um propósito profundamente espiritual e conectivo? Uma faceta definidora de John Coltrane.Para Coltrane, um músico era um doador de mensagens; fazer música era um esforço ligado a um bem maior e maior. “Eu humildemente pedi para ser dado os meios e privilégios para fazer outros felizes através da música”, escreveu Coltrane em 1964 em uma carta para seus ouvintes, contando sobre uma oração a Deus. Em 1966, menos de um ano antes de sua morte, ele declarou:
“Eu sei que existem forças ruins, forças que trazem sofrimento aos outros e miséria para o mundo. Eu quero ser a força oposta. Eu quero ser a força que é verdadeiramente para o bem. "Coltrane alcançou seu objetivo como um tocador de jazz que trabalha duro, saindo de uma orgulhosa tradição musical enraizada, pagando suas dívidas como um sideman, aprendendo as cordas como líder, trabalhando com música basicamente sem palavras para transmitir sua mensagem. Ele lançou vinte e cinco álbuns como líder durante sua vida, alguns alcançando o status clássico de cinco estrelas: Blue Train , Giant Steps , Minhas Coisas Favoritas , seu indicado ao Grammy, “oferenda humilde” a Deus, A Love Supreme . Um após o outro, de 1957 a 1967, sua música definiu um caminho de crescimento rápido e taxa de mudança vertiginosa. Que Coltrane realizou tudo o que fez em apenas dez anos, pelo menos em parte pela devoção santa que recebe com frequência.
O jornalista de jazz Nat Hentoff, que entrevistou e defendeu Coltrane, elogiou-o com mais seriedade.
“No momento em que A Love Supreme o atingiu, Trane atingiu um acorde tão espiritual em tantos ouvintes que as pessoas começaram a pensar nele como estando além do humano. Eu acho isso injusto. Ele era apenas um ser humano como você e eu - mas ele estava disposto a praticar mais, a fazer todas as coisas que alguém tem que fazer para se destacar. O valor real do que John Coltrane fez foi o que ele realizou, como homem. ”
Certos aspectos dos humildes começos de Coltrane apontam para o que ele se tornaria. Nascer em 1926 na pequena cidade da Carolina do Norte - especificamente em Hamlet e mais tarde em High Point - ajuda a explicar sua predileção pelo blues. Sua afinidade por um sentimento distinto e evangélico - canções meditativas, semelhantes a orações e o tom de pregador em seu saxofone - pode ser parcialmente creditado a ser criado em uma família religiosa. Seu pai pregou e seu avô era um líder comunitário e ministro. Em 1938, ambos morreram repentinamente, depois a avó de Coltrane e uma tia - todos a alguns meses um do outro. O próprio Coltrane mal tinha doze anos. A família foi devastada, emocional e economicamente. Tendo acabado de tomar o clarinete, a música se tornou uma espécie de salvação para Coltrane.
O tempo tinha muito a ver com a criação da base musical de Coltrane também. Nascer em 26 significava que, na adolescência, ele ouvia músicas populares e arranjos sofisticados no auge da era da big band. Ao aproximar-se da idade adulta em meados dos anos 40, o bebop do saxofonista alto Charlie Parker e o trompetista Dizzy Gillespie agarraram os ouvidos de sua geração. Johnny Hodges, o saxofonista alto de longa data da famosa orquestra de Duke Ellington; e Dexter Gordon, o bebopper de primeira geração que tocava sax tenor, eram dois dos primeiros heróis de Coltrane.
O Bebop era uma linguagem nova e empolgante que surgia com uma liberdade fresca e rítmica e expandia a largura de banda harmônica da música - exigindo uma familiaridade sob o capô com a mecânica da música. Coltrane, já um autodidata, foi fisgado, intelectualmente e emocionalmente. Coltrane mudou-se para a Filadélfia em 1943, seguindo outros membros da família, e imediatamente se lançou na cena musical local, conhecendo outros jovens jogadores focados no bebop, como os saxofonistas Jimmy Heath e Benny Golson. Um período na Marinha nos últimos dias da Segunda Guerra Mundial deu a ele a chance de usar o GI Bill para ter aulas de música após sua alta, e se dedicar à música como profissão.
A Filadélfia apresentou uma das comunidades afro-americanas mais desenvolvidas e vibrantes nos anos pós-Segunda Guerra Mundial. As partes negras da cidade estavam cheias de bares, clubes e teatros, todos exigindo música ao vivo de todos os estilos. Apesar de sua dedicação ao bebop, Coltrane se tornou um músico viajante no circuito, tocando saxofone alto e tocando o que o show exigisse.
O aprendizado de Coltrane ocorreu de 1946 a 1955. Ele era um corno de aluguel, soprando blues na frente de pequenos grupos, apoiando vários cantores de jazz e R & B, aumentando o número de bandas de saxofone em várias bandas. . Ele subiu na hierarquia, de grupos locais (big band de Jimmy Heath para um; Hi-Tones de Bill Carney, um pequeno grupo de R & B, para outro) para grupos nacionais no início dos anos 50 - como grandes bandas lideradas pelos saxofonistas Johnny Hodges. e Earl Bostic e Dizzy Gillespie, este último exigindo que ele mude de alto para saxofone tenor. Coltrane seguiu ordens e seu desenvolvimento continuou.
Foi durante essa interminável sucessão de shows e viagens quando Coltrane tentou narcóticos pela primeira vez; em 1951, como muitos de seus colegas, ele adquiriu um hábito de heroína que permaneceria com ele por seis anos.
Coltrane tocava no grupo do organista Jimmy Smith no final do verão de 1955, quando um telefonema veio de Nova York para um teste para a banda do trompetista Miles Davis. Apesar da incerteza inicial de Coltrane - “Tenho muita vergonha dos primeiros discos que fiz com Miles. Por que ele me escolheu, eu não sei ”, ele disse mais tarde - Miles gostou do que ouviu. "Depois que começamos a tocar juntos por um tempo, eu sabia que esse cara era um filho da puta ruim", escreveu Davis em sua autobiografia. “[Ele] era apenas a voz que eu precisava no tenor para disparar minha voz.”
Os quatro anos que Coltrane passou no grupo de Davis - de 1955 a 59 - catapultaram o saxofonista desconhecido da obscuridade local para a fama nacional. Sob os holofotes que surgiram ao jogar ao lado de Davis, Coltrane evoluiu do que muitos ouviram como insegurança vacilante para uma confiança ousada e de acaso. Fiel às palavras de Miles, a intensidade e a densidade do saxofone de Coltrane eram um efeito eficaz para a melancolia contida de Davis no trompete. Eles nasceram no mesmo ano e cresceram para serem tão diferentes em temperamento. No entanto, eles eram, no fundo, iguais em sua obsessão com o funcionamento interno da teoria musical e em sua necessidade de desafio musical e surpresa.
Davis forneceu a Coltrane uma liberdade ilimitada de instrução para explorar e encontrar sua própria voz; Coltrane se referiu a ele como "professor". Salvo por nove meses em 1957, quando o trompetista o demitiu sem cerimônia devido ao seu uso de heroína impedindo sua aparência e desempenho - após o qual Coltrane expôs seu hábito frio - seu relacionamento continua sendo um dos mais frutíferos e significativos da história do jazz.
1957, na verdade, foi o ano em que Coltrane realmente se tornou Coltrane. Durante esse período de doze meses, sua compulsão a praticar incessantemente levou à primeira fase de seu estilo de assinatura: passar por mudanças, tocar e repetir padrões escalares, uma enxurrada de harmonias que o crítico Ira Gitler chamou de “folhas de som”. limpo e de volta à cena como um freelancer, a natureza viciada em trabalho de Coltrane o impulsionou para o estúdio - como ator em muitas faixas, gravando sua estréia como líder ( Coltrane on Prestige), e o primeiro álbum a revelar seus dons como compositor ( Blue Treinar na Nota Azul).
Nenhum evento em 1957 mostrou-se mais duradouro para Coltrane do que sua colaboração de verão com o pianista e compositor Thelonious Monk, da qual Coltrane disse:
"Eu aprendi com ele em todos os sentidos - através dos sentidos, teoricamente, tecnicamente."
A tutela de Monk - mais direta e paciente que Miles - ajudou-o a captar música crivada de estranhos pulos melódicos e rupturas rítmicas, e apelou com sua própria lógica. Quando Coltrane retornou ao grupo de Miles no final daquele ano, o trompetista estava a caminho de desenvolver um novo vocabulário.
O momento não poderia ter sido melhor. A mudança de Miles de formas de músicas tradicionais baseadas em acordes para estruturas modais mais abertas proporcionou um frescor necessário que ajudou os improvisadores a evitar os mesmos velhos clichês do bebop. Este “jazz modal” foi a ideia fundamental para o que ainda é o álbum mais famoso de Miles, 1959's Kind of Blue. Para Coltrane, era como despejar alta octanagem em um motor turbo. Libertado dos caminhos meticulosos da música de Monk, mergulhou com entusiasmo nas liberdades harmônicas que o jazz modal oferecia, absorvendo e depois desenvolvendo as mesmas idéias em seus próprios grupos inovadores da década de 1960.
"A música de Miles me deu muita liberdade", disse ele. "É uma abordagem bonita ... achei fácil aplicar idéias harmônicas que tive."
No final de 1959, Coltrane tinha 33 anos. Enquanto Miles tentava mantê-lo em seu grupo, estava claro que ele estava louco para seguir seu próprio caminho. Ele começou a tocar com suas próprias bandas e continuou escrevendo material. Ele tinha um agente de reservas e um advogado, ambos recomendados por Miles, o último que o ajudou a fundar sua própria editora musical (Jowcol Music) e saltar de seu Prestige para um contrato mais lucrativo com a Atlantic Records, uma gravadora conhecida por seus sucessos de R & B quanto a lançar discos de jazz.
De 1959 a '61 marca o período atlântico de Coltrane, durante o qual ele gravou um de seus álbuns mais importantes - Giant Steps- com músicas intemporais como “Naima”, “Cousin Mary” e a faixa-título; coletivamente, eles serviram como uma despedida magistral das mudanças de acordes labirínticas do mundo do bebop. Ele começou a se concentrar mais na influência altamente emotiva e melódica do jazz de vanguarda da época, inspirada em grande parte pela música de Ornette Coleman - o saxofonista nascido no Texas que transformou o mundo do jazz em seu ouvido ao chegar em Londres. Nova York em 1959.
Coltrane visitou e de fato recebeu instrução de Coleman;
"Ele estava interessado em tocar não-cordal e eu tinha cortado meus dentes nessas coisas", relatou Coleman anos depois. "Ele depois me enviou uma carta que incluía trinta dólares para cada lição. . "
Em seu último ano com o Atlantic, Coltrane acrescentou o saxofone soprano ao seu repertório e o pianista McCoy Tyner à sua banda. A confluência dos dois levou-o a gravar o show da Broadway em tempo de valsa “My Favorite Things” (do musical The Sound Of Music ) como uma peça modal com sabor de raga ; a improvável releitura tornou-se um sucesso de rádio e seu maior sucesso comercial.
No final de 1961, Coltrane conseguiu aumentar, assinando com a Impulse Records - a marca do jazz dentro da gravadora major ABC-Paramount Records. Foi com o Impulse - de 61 até sua morte em julho de 1967 - que Coltrane alcançaria seu mais alto padrão de carreira e revelaria toda a gama de seus projetos: primeiro com seu quinteto que contava com o saxofonista / flautista Eric Dolphy, então seu chamado “Quarteto Clássico” (com Tyner, baterista Elvin Jones e baixista Jimmy Garrison), vários esforços de big band ( Africa / Brass , Ascension ) e finalmente o quinteto que incluía Garrison, sua esposa, a pianista Alice Coltrane, o saxofonista Pharoah Sanders e baterista Rashied Ali.
As gravações Impulse de Coltrane, de 1961 até a maior parte de 1964, mostram-no com um pé no mundo do jazz mais tradicional, tocando standards ( Ballads ) e colaborando com os gostos do lendário Duke Ellington e do vocalista Johnny Hartman, enquanto o outro pé descansava território mais vanguardista. Sua agenda de lançamentos balanceava gravações animadas ao vivo ( Live! No Village Vanguard , Live at Birdland , algumas faixas no Impressions ) com gravações de estúdio compartilhando um lado mais suave e mais meditativo em sua composição (outras faixas em Impressions , Coltrane , Crescent). No início dos anos 60, Coltrane era um clube noturno e headliner de festivais, uma força em termos de vendas de discos e recibos de bilheteria, e uma grande influência em muitos de seus colegas - seus álbuns eram necessários para ouvir jazz, R & B e rock. jogadores igualmente.
Coltrane gravou A Love Supreme no final de 64, chamando-a de sua "tentativa de dizer 'OBRIGADO a DEUS' através de nosso trabalho" - uma oferta musical em gratidão por seu despertar espiritual em 1957, o ano em que ele se livrou de seu hábito de drogas. Era uma suíte de quatro partes, a primeira de uma série de obras maiores que mantinham uma maior intenção e foco. Ele foi cuidadosamente composto e planejado em setembro de 1964, logo após o nascimento de seu primeiro filho, John Jr., com sua nova esposa, a nascida em Detroit, Alice Coltrane, nascida no bebop - McLeod.
O relacionamento deles provaria ser um dos casais mais prodigiosos e prolíficos entre marido e mulher do mundo do jazz. A influência musical e espiritual de John em Alice iria redirecionar sua vida e carreira. Depois de sua morte, ela transmitiu sua música e mensagem universalista à sua maneira, fundindo jazz moderno, ragas indianas e canções devocionais védicas em dezoito álbuns muito especiais, e finalmente colocou sua carreira de lado para estabelecer e liderar um ashram de seguidores espirituais em Sul da Califórnia.
A Love Supreme foi atípico para uma gravação de jazz de várias maneiras. istoincluiu a voz de Coltrane, cantando o título do álbum. A capa do álbum apresentava uma carta para o ouvinte e um poema, ambos escritos por Coltrane e ambos defendendo uma espiritualidade universalista, e abordando seu papel como músico. Quando foi lançado no começo de 1965, rapidamente se tornou o álbum mais conhecido de Coltrane, um tipo de autorretrato musical que lhe rendeu duas indicações ao Grammy, introdução ao Hall of Fame da revista Downbeat e uma nova geração de fãs - muitos dos quais também olhando para caminhos espirituais alternativos. Algumas semanas antes de Coltrane compor A Love Supreme , o escritor de jazz Leonard Feather observou que seus “seguidores mais dedicados são jovens ouvintes” e perguntou como eles poderiam apreciar a música que “exige conhecimento técnico e atenção intensa”.
"Enquanto houver algum sentimento de comunicação, não é necessário que seja entendido", respondeu Coltrane. “Afinal de contas, eu costumava amar a música antes mesmo de poder identificar um sétimo acorde de sol menor… eventualmente os ouvintes se movem junto com os músicos.”
Coltrane testou essa obviedade em 1965, quando suas explorações musicais - convidar outros músicos para sua banda, escrever músicas cada vez mais discordantes, densas e multi-rítmicas - testaram a paciência de seu público e membros de seu Quarteto Clássico. Antes que o ano terminasse, Tyner e Jones partiram: Alice assumiu o assento do piano, o jovem Rashied Ali foi adicionado na bateria e Pharoah Sanders no segundo saxofone.
De 1966 até sua morte em 1967, Coltrane era visto como o ponto da lança de uma nova geração de vanguardistas de jazz - uma geração mais politicamente carregada e socialmente consciente do que a anterior, e cuja música refletia a crescente indignação política do público. Tempo. O próprio Coltrane permaneceu humanista, mais em sintonia com a filosofia não violenta do dr. Martin Luther King Jr. do que com a atitude de confronto de Malcolm X ou dos Panteras Negras. No entanto, sua música era uma parte indelével da trilha sonora daquela época turbulenta, e as gravações que fez entre 1965 e 1967 continuam sendo as mais controversas de toda a sua carreira.
Durante os últimos meses de sua vida, Coltrane continuou a avançar com sessões que oscilavam entre faixas que podiam ser intensas e intensas, e tapeçarias sonoras profundamente introspectivas e calmas. As sementes musicais que brotaram durante as sessões de A Love Supreme previram onde Coltrane iria com sua música. Suas medições em “reconhecimento” pressagiam uma atonalidade apaixonada. Seu canto foi ouvido novamente no álbum Om . Seu amor pela poesia ressurgiu em Kulu Se Mama . Seus títulos semelhantes a hinos se tornaram um tema ininterrupto - “Querido Senhor”, “Bem-vindo”, “O Pai, o Filho e o Espírito Santo” - sua sonoridade meditativa refletindo a de Um Amor Supremo .
No último ano de sua vida, quando a reputação e notoriedade de Coltrane atingiram seu nível mais alto, os que estavam próximos a ele sabiam que algo estava errado. Ele estava muitas vezes com dor, sofrendo de câncer de fígado, como foi posteriormente aprendido. No entanto, Coltrane não desistiu. Ele continuou a tocar e gravar, apenas algumas semanas antes de sua morte, em 17 de julho de 1967. O impacto na cena musical foi sísmico; ele deixou para trás uma comunidade atordoada de músicos, assim como sua esposa Alice, uma filha Michelle e três filhos - John Jr., Ravi e Oran - e um catálogo de gravações das quais a música continua a ser emitida e reeditada.
Coltrane morreu em meados de pesquisa, musicalmente conduzido até o fim. Como ele disse a Nat Hentoff no final de 66:
“Nunca há um fim… sempre há novos sons para imaginar, novos sentimentos para se chegar. E sempre há a necessidade de continuar purificando esses sentimentos e sons para que possamos realmente ver o que descobrimos em seu estado puro. Para que possamos ver mais e mais claramente o que somos. . . temos que continuar limpando o espelho.
Muitos buscaram a mesma purificação e, através de seu processo criativo, conseguiram isso. No entanto, poucos têm procurado tão profundamente, provocado com a mesma consistência, tão bem sucedidos quanto Coltrane. Menos ainda terminaram quando começaram: ainda desafiam a si e a sua audiência.
Ainda Coltrane sobe, em estatura e significado. Suas composições e gravações são agora partes permanentes do cânon da grande música americana, reconhecidas pela Biblioteca do Congresso, com muitos introduzidos no Grammy Hall of Fame; agora todos são necessários estudos para jovens músicos na esperança de desvendar os segredos da tradição do jazz. Nos meios de comunicação atuais, Coltrane é muitas vezes conhecido nos programas de televisão e referenciado em grandes filmes de Hollywood como "Malcolm X", "Mo Better Blues", "Jerry McGuire", "Mr. Holland's Opus" e muitos outros. Há até uma rua com o nome dele em sua homenagem no Universal Studios Hollywood, perto dos arquivos da Universal Music, onde muitos dos seus originais mestres de bobina a bobina são arquivados.
Honras póstumas persistem: em 1995, o Serviço Postal dos Estados Unidos colocou Coltrane em um selo postal comemorativo. Em 1997, ele foi agraciado com o Grammy Lifetime Achievement Award. Em '01, o National Endowment for the Arts escolheu “My Favorite Things” para sua lista de 360 Songs Of The Century. Em 2007, Coltrane recebeu o Prêmio Pulitzer, como uma Menção Especial por uma vida de trabalho inovador e influente.
Todas as distinções à parte, é claro que a importância de Coltrane hoje repousa em seu papel duradouro como modelo de sacrifício artístico e visão espiritual, uma voz original que está no topo do panteão dos heróis culturais afro-americanos. A inspiração que seu legado continua a incutir permanece tão forte quanto é necessário - evidência do poder unificador da música: um argumento para valorizar nossa herança coletiva; um ditado para ouvir e aprender um do outro.
Em 2009, um novo presidente foi eleito e na residência privada da Casa Branca, ele pendurou um retrato sincero de Coltrane tirado pelo fotógrafo Jim Marshall, mostrando o saxofonista em um momento particularmente pensativo nos bastidores em 1966. Algumas semanas depois, o Coltrane família recebeu uma foto do presidente contemplando a imagem, com a inscrição:
"... de um grande fã de seu pai, Barack Obama."
- Por Ashley Kahn
