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Música do blog

quinta-feira, 5 de dezembro de 2019

GABRIEL YANG


Músico brasileiro com raízes no rock n’ roll e no blues, atua desde 2004 como compositor, cantor e guitarrista. Participou de vários festivais em Fortaleza-CE e em outros estados como artista solo ou junto a outros projetos (como o Circuito Casa do Blues, Festival Canoa Blues, Fest Bossa & Jazz (Pipa – RN / São Miguel do Gostoso - RN), Mostra Petrúcio Maia, Projeto Polifonias – Centro Cultural Dragão do Mar / TJA e CCBJ, Programação do CCBNB –Cariri e Sousa). Yang se destaca também por ser um entusiasta do DIY (do it yourself – do inglês: faça você mesmo), desde a produção de sua discografia (totalmente feita em casa) até a confecção de suas próprias guitarras a partir de materiais reciclados, como caixas de charutos, latas de querosene e cabos de vassoura.


Trabalhos Lançados:


  • Off The Rails - Disco lançado em agosto de 2019, une os 4 singles anteriores aos novos temas, o álbum segue a linha do Blues-Rock e tem várias participações especiais (Marília Lima, Leonardo Vasconcelos (Blues Label), Roberto Lessa (Blues Label), Anderson Camello, André Reis e Marcelo Holanda (Blues Label).

  • Jailbird Blues - Canção que faz referências ao Blues Rural, e as Prison Songs, gravada com a participação de vários artistas locais: Andeson Camello (solo guitar and backing vocals), Roberto Lessa (backing vocals), André Reis (harp), Marcelo Holanda (drums), and Romualdo Filho (bass).


  • A Better Day - Inspirada em trabalhos de artistas dos anos 70, como Crosby, Stills, Nash and Young e Carlos Santana.

  • The Pied Piper - Inspirada na lenda do O Flautista de Hamelin. É uma metáfora sobre a indústria fonográfica e o mainstream e sua relação com o público e a cultura underground.

  • Fuck Your Castles - Canção de protesto sobre sociedade, política e propriedade privada.

  • Lonewolf - Albúm de Roberto Lessa - Participação com Slide Guitar nas faixas I See Your Face e Your Name in the Sand.

  • Todos de Você X Todos de Mim - Single da banda Cães de Caça – Participação com Slide Guitar.


  • Gumbo Blues - (2017-2018) Lançamentos como membro e produtor (responsável também por toda a parte de gravação e mixagem dos singles): Come Back Home, Catfish Blues, Spell Your Gumbo, The Sign of Relief and There Will be Blood.

  • Yang Storm (2017) - Álbum que mescla instrumentos eletrônicos com voz e guitarra e faz referências aos timbres dos anos 90.

  • Slide Groove - Álbum de Anderson Camelo – Guitarra e backing vocals na faixa Seguimos Sós.

  • Dry (2016) - Ep que segue a linha do Poeira em seu caráter minimalista e nos instrumentos utilizados.

  • Poeira(2015) - Gravado com instrumentos fabricados com materiais reciclados, misturando Blues, Rock n’ Roll, Folk e música nordestina.

  • A Balada Sem Nome e Outros Blues (2014) - Disco de Rock com a banda Jardim de Ferro.


LINK DE PLATAFORMAS:

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quarta-feira, 7 de agosto de 2019

SYD BARRETT



6 DE JANEIRO DE 1946, CAMBRIDGE, INGLATERRA


Roger Keith Barrett nasceu em 6 de janeiro de 1946 em Cambridge, Inglaterra. Seus pais eram Max (Dr. AM Barrett) e Win. Roger era o quarto dos cinco filhos, os outros sendo Alan, Don, Ruth e Rosemary. O jovem Roger foi ativamente encorajado em sua música e arte por seus pais - aos sete anos ele ganhou uma competição de dueto de piano com sua irmã - e ele teve sucesso em concursos de poesia enquanto cursava o ensino médio. 

Max morreu quando Roger tinha 15 anos e sua entrada no diário naquele dia consistia em uma única linha: "Querido pai morreu hoje". A perda lhe custou caro. Três dias depois, ele escreveu para sua namorada Libby que "eu poderia escrever um livro sobre seus méritos - talvez eu tenha algum tempo ".

Dos 10 aos 16 anos, Roger foi para a Cambridgeshire High School for Boys na Hills Road, também conhecida como “The County”. A escola tinha sua própria tropa de escoteiros, que Roger assistiu com grande interesse. Ele era um imitador natural e divertia seus amigos com imitações de pessoas famosas, incluindo o ator de comédia Sid James. O companheiro de batedor Brian Boydell lembra que foi quando ele deu a Roger o apelido de "Sid", aos doze anos de idade. Alguns 3-4 anos depois, a ortografia iria mudar depois de ver um baixista no Riverside Seven, uma banda de jazz tradicional, chamada Sid Barrett. Brian “Freddy” Foskett, ex-baterista de jazz do Riverside Seven, levou Roger ao YMCA em Alexandra Street para ouvir a banda tocar e Roger decidiu colocar o “y” em seu apelido para evitar confusão com o baixista. A partir de então Sid foi Syd - até a década de 1970, quando ele voltou ao seu Roger original. “Syd não mora mais aqui” é como ele atendeu a porta para visitar estranhos.


Syd conhecia Roger Waters da escola primária e conheceu David Gilmour quando adolescente, então seus caminhos se cruzaram muitas vezes. Estes três mais tarde se tornaram os principais líderes criativos do Pink Floyd, cada um deles subindo para a frente durante sua própria época, conectados em origem e amizade desde os tempos de Cambridge. Depois de um período na Cambridge School of Art, Syd se mudou para Londres para estudar na Camberwell Art College, e acabou se juntando a Roger Waters, que frequentava a Regent Street Polytechnic. David Gilmour foi convidado a se juntar à banda no final de 1967.


Syd era uma figura boêmia notável e popular na cena de Cambridge, trocando acordes de guitarra com David Gilmour e desfrutando avidamente de uma ampla gama de influências musicais, desde jazz até obscuros combos de blues. Na época em que se mudou para Londres, ele já fazia parte de bandas locais, incluindo Geoff Mott e os Mottoes, nascidos de colaborações na casa da família Barrett a partir de 1962. Em viagens de retorno a Cambridge, ele começou a tocar guitarra com The Hollerin 'Blues, que em 1965 havia se transformado em Those Without. Enquanto issoRoger Waters formou uma banda chamada Sigma 6 com amigos de faculdade, incluindo Richard Wright e Nick Mason. Quando dois dos 6 membros da banda saíram, havia espaço para Syd se juntar, junto com Rado “Bob” Klose. Seis músicas foram gravadas por esta primeira versão do Pink Floyd, e depois de 50 anos elas finalmente receberam seu lançamento em novembro de 2015. Depois de algumas mudanças de pessoal e nomes, a banda finalmente se estabeleceu na linha de Barrett / Mason / Waters / Wright no verão de 1965 sob o nome de Pink Floyd, como sugerido por Syd. A primeira menção na imprensa data de um artigo da Melody Maker no início de julho de 1965.


Em uma entrevista sueca de setembro de 1967, Barrett explicou que “o nome Pink Floyd vem de dois cantores de blues da Geórgia, EUA - Pink Anderson e Floyd Council”. Roger Waters ao mesmo tempo, mas em outra entrevista, explicou o nome como algo que “soa como um bom nome para nós. É realmente apenas uma marca de registro. É melhor do que nos chamarmos de CCE338, ou algo assim. ”Os cantores de blues Syd, na verdade, se originaram da Carolina do Sul e Carolina do Norte, respectivamente, e a combinação de nomes foi captada das notas lineares de uma coletânea do Blind Boy Fuller.


VERÃO DE 1966


O Pink Floyd (alternativamente conhecido como The Tea Set) ainda era uma banda de meio período, permitindo que Syd decolasse para a França em agosto de 1965 com David Gilmour, visitando a casa de Pablo Picasso, cujo filho era estudante em Cambridge. O par foi brevemente detido pela polícia de St. Tropez por busking. O estilo musical da banda era baseado em blues americanos e r'n'bmas o nascimento de uma cena musical psicodélica no Reino Unido permitiu que eles desenvolvessem as ideias baseadas em desempenho de Sy d em algo único. Ao longo de 1966, eles aperfeiçoaram suas habilidades de performance ao vivo, muitas vezes desenvolvendo canções em longas sequências de interferência. Uma menção especial deve ser feita à residência que eles tiveram no All Saints Church Hall como parte de uma série de concertos organizados pela nascente London Free School no outono de 1966. Eles foram chamados de Workshops de Som e Luz e anunciaram slides de projeção de luz e 'filmes líquidos'. Foi aqui que a banda realmente começou a desenvolver sérios seguidores.

A famosa guitarra espelhada de Syd Barrett foi criada neste momento, modificando sua original Fender Esquire branca com plástico adesivo para dar-lhe um novo corpo de cor prateada, e então montando 15 discos refletivos sobre ela. O disco de espelhos foi provavelmente estreado no All Saints Church Hall em 14 de outubro - um “POP DANCE com o grupo mais distante de Londres ”. Julian Palacios pinta esta imagem em seu livro Dark Globe: “Desenhando círculos do infinito com seu glissandi, Syd trouxe pela primeira vez sua Esquire prateada modificada - uma revelação psicodélica pronta. Como o show de luz bruto bateu os discos e brilhou luzde volta ao público, Syd usou o violão como um acessório visual para “chover prata nas pessoas” como um cetro mágico. O show de luzes atingiu os discos prateados e uma estrela nasceu ”.


O Pink Floyd rapidamente se tornou a banda pré-eminente 'underground', alimentada por público e apoiadores próximos à London Free School. O Pink Floyd tocou na festa de lançamento do International Times, e se tornou o primeiro houseband no clube UFO. No Halloween de 1966, a banda formou a Blackhill Enterprises com os gerentes Peter Jenner e Andrew King. Eles também entraram em um estúdio no mesmo dia e gravaram uma primeira versão de 'Interstellar Overdrive', usada como música para o filme experimental São Francisco de Anthony Stern. Esta foi uma composição de banda, mas a maioria das outras gravações iniciais eram músicas de Syd, que se estabeleceu como o inovador criativo da banda.


O Pink Floyd assinou com a EMI Records em 1967, lançando os singles "Arnold Layne" e "See Emily Play", ambos escritos por Syd, no primeiro semestre daquele ano. Logo eles estavam trabalhando no seu álbum de estréia, o Piper no Gates of Dawn no Abbey Road Studios, ao lado dos Beatles que estavam gravando a banda do Sgt Pepper's Lonely Hearts Club ao mesmo tempo. No final de abril, o Pink Floyd foi o evento de encerramento no festival 14 Hour Technicolor Dream no Alexandra Palace, e deixou uma impressão duradoura nos presentes, enquanto o sol subia e entrava pelas janelas, lançando reflexões no filme de Syd. guitarra espelhada. Em meados de maio, a banda foi convidada para tocar um concerto apropriado para um público sentado no prestigiado Queen Elizabeth Hall, em South Bank, em Londres. Nessa ocasião, eles introduziram muitos aspectos novos de uma experiência de concerto, incluindo efeitos sonoros, um sistema de som de 360 ​​graus e filmes na tela com os quais tocaram em sincronia - todas as marcas registradas do futuro Pink Floyd.
Durante julho, See Emily Play estava em altaas paradas e o Pink Floyd convidaram o popular programa de TV Top Of The Pops em três ocasiões. Foi no momento da aparição final que Syd repentinamente começou a exibir sérios problemas, provavelmente como resultado de drogas psicodélicas. Roger Waters lembra: “Na verdade, aconteceu muito rápido com Syd, tenho que dizer, exatamente na época de 'See Emily Play'. Você sabe, ele ficou muito estranho muito rapidamente ”. Cartas de desculpas tiveram que ser escritas e várias performances importantes foram canceladas. A banda fez uma pausa forçada entre as manchetes de “flake out”. Isso coincidiu com o lançamento de seu álbum de estréia no início de agosto e lançou uma sombra sobre o que realmente deveria ter sido um momento de triunfo. O Piper no Gates of Dawn, composto principalmente por Syd, é considerado um dos maiores álbuns psicodélicos britânicos.

Syd começou a desenvolver uma personalidade mais problemática , como se ele tivesse passado por algum tipo de divisor de águas. Dois singles propostos foram gravados, mas arquivados, devido à sua natureza sombria e potencial não comercial: 'Scream Thy Last Scream (Old Woman With A Casket)' e 'Vegetable Man'. Enquanto tocadas ao vivo em shows e no rádio , elas permanecem até hoje oficialmente inéditas. Em vez disso, o single mais ensolarado "Maçãs e Laranjas" foi lançado em novembro de 1967, mas não apareceu.

Early Pink Floyd trabalhou mais do que a maioria como banda de turnê. Em suas performances ao vivo, devido à qualidade do equipamento de som naqueles dias, e o risco de feedback do microfone, os vocais eram difíceis de ouvir e a banda dependia fortemente de números de direção instrumentais e bastante barulhentos. O comportamento de Syd se tornou mais errático durante um trecho de performances problemáticas nos EUAe a turnê do pacote Jimi Hendrix no Reino Unido, a ponto de a banda decidir adicionar um segundo guitarrista. David Gilmour foi abordado no início de dezembro e eles esperavam invocar as habilidades de composição de Syd para o trabalho em estúdio, semelhante ao papel de Brian Wilson no Beach Boys, enquanto Gilmour reforçaria a banda em shows ao vivo. É neste momento que Syd trouxe uma nova música para os ensaios da banda, apenas para mudar a cada tomada, antes de trazer a banda de volta ao refrão “você já entendeu?”. Este foi seu último ensaio com o Pink Floyd e em 25 de janeiro de 1968, após apenas um punhado de shows como um 5-piece, a banda optou por não pegar Syd no caminho para Southampton.
Syd, 1971

ARTISTA SOLO, 1968


Syd e Pink Floyd se separaram oficialmente em março de 1968, com a administração da banda Blackhill Enterprises decidindo ficar com Syd como artista solo. O novo selo Harvest da EMI comprometeu-se com um projeto solo de Barrett e, ao longo de um ano, Syd gravou The Madcap Laughs. Começou brevemente com Peter Jenner da Blackhill, a gravação começou em abril de 1969 com Malcolm Jones, da EMI, e na reta final envolveu David Gilmour e Roger Waters. Gilmour participou de três sessões e Waters apenas o último, 26 de julho, que foi um sprint que gerou quatro músicas para o segundo álbum do Syd, The Madcap Laughs depois de uma linha na música 'Octopus' e sugerido por David Gilmour.
A Madcap Laughs não seria lançada até janeiro de 1970, mas foi bem recebida e vendida razoavelmente pelos padrões da época, então a EMI decidiu registrar imediatamente um follow-up. As sessões do álbum Barrett começaram em 26 de fevereiro de 1970, com David Gilmour como produtor e baixista, Richard Wright nos teclados e Jerry Shirley da Humble Pie na bateria. Sessões em abril e julho se seguiram, e o álbum foi lançado em novembro de 1970, o último álbum oficial de Syd Barrett, compilações de bares.

Syd realizou muito pouca atividade musical entre 1968 e 1972 fora do estúdio. Em 24 de fevereiro de 1970, ele apareceu no programa de rádio da BBC, John Peel, tocando cinco músicas, das quais apenas uma havia sido lançada anteriormente. Três seriam regravadas para o álbum de Barrett, enquanto a canção "Two of a Kind" (possivelmente escrita por Richard Wright) foi uma única. David Gilmour e Jerry Shirley também apoiaram Syd para o seu único concerto ao vivo durante este período, em 6 de junho de 1970. O trio tocou quatro músicas no Olympia Exhibition Hall, em Londres, como parte de um Festival de Música e Moda. Syd fez uma última aparição na BBC Radio, gravando três músicas de Barrett em 16 de fevereiro de 1971.


No final de janeiro de 1972, Syd formou uma banda de curta duração chamada Stars, com Twink na bateria e Jack Monck no baixo. Embora a banda tenha sido inicialmente bem recebida, um de seus shows no Corn Exchange em Cambridge foi desastroso, seguindo o duro MC5 no palco na quinta-feira à noite, 24 de fevereiro. O show final aconteceu dois dias depois, menos de um mês depois. a banda foi iniciada. Syd deixou a banda alguns dias depois, após uma crítica contundente. O colapso de Estrelas coincidiu no tempo com a ascensão do Lado Negro da Lua, que havia sido realizado em Londres poucos dias antes e ganhou elogios massivos na imprensa. Uma suíte de músicas, conceituada a partir de experiências adquiridas durante o tempo com Syd,e terminando verdadeiramente com um eclipse. Syd teve uma reunião final e notável com os membros do Pink Floyd em 5 de junho de 1975. Isso foi durante as sessões de gravação de Wish You Were Here, quando ele apareceu no Abbey Road sem aviso prévio e em um estranho caso de "precisão aleatória" como a banda estava trabalhando no Shine On You Crazy Diamond, sua música de tributo para ele.

Em agosto de 1974, Peter Jenner convenceu Sy d a retornar ao Abbey Road Studios na esperança de gravar outro álbum, mas pouco veio das sessões. Syd se retirou da indústria da música e eventualmente escolheu Cambridge e uma vida de pintura, criando grandes telas abstratas e muitas outras formas de pinturas.

Em 1988, a EMI Records lançou um álbum do estúdio de Sy d, material inédito gravado de 1968 a 1970 sob o título de Opel, uma faixa altamente considerada omitida de The Madcap Laughs. Crazy Diamond, de 1993, é um box de todos os três álbuns, cada um com mais sucessos de suas sessões solo. O melhor de Syd Barrett: você não sentiria minha falta? foi lançado pela EMI em 2001.




"ESTOU CHEIO DE POEIRA E GUITARRAS."


Syd Barrett, Rolling Stone, dezembro de 1971

7 DE JULHO DE 2006

Roger "Syd" Barrett morreu de câncer de pâncreas em 7 de julho de 2006 no Hospital Addenbrooke, em Cambridge, mas seu legado vive no reconhecimento de sua crescente influência sobre dezenas de músicos. Um show de homenagem foi realizado no Barbican Theatre, em Londres, em 2007, com curadoria de Nick Laird-Clowes e Joe Boyd. David Gilmour, Richard Wright e Nick Mason interpretaram Arnold Layne. Outros músicos que prestaram homenagem incluíram Roger Waters, Damon Albarn, Kevin Ayers, Captain Sensible, Mike Heron, Robyn Hitchcock, Chrissie Hynde, John Paul Jones, Kate McGarrigle e Martha Wainwright.

Em 2010, a EMI Records lançou An Introduction To Syd Barrett, uma nova coletânea que reuniu pela primeira vez faixas do Pink Floyd de Syd e trabalhos solo em um álbum, incluindo alguns remixes novinhos em folha. David Gilmour foi produtor executivo do álbum, supervisionando remixes e melhorias de cinco faixas, incluindo 'Octopus', 'She Took A Long Cool Look', 'Dominó' e 'Here I Go'. Matilda Mother, do Pink Floyd, também recebeu um novo mix de 2010 com suas letras originais restauradas. Obra de arte foi fornecida por muito tempo Pink Floyd associado e amigo de Syd, Storm Thorgerson e seu estúdio Hipgnosis.

Em março de 2011, um novo livro intitulado Barrett, The Definitive Visual Companion, foi publicado pela Essential Works, autores Russell Beecher e Will Shutes, com base em sua extensa pesquisa para mostrar o trabalho ea vida de Syd, resultando em um estudo abrangente do artista Syd. Contendo a maior coleção de imagens relacionadas a Syd Barrett já reunidas, o livro inclui centenas de fotografias inéditas e raras de Syd e Pink Floyd, algumas das cartas de amor pessoal de Syd e todas as obras originais remanescentes de Syd.

O legado continua a viver. Mais e mais pessoas estão descobrindo a música única, arte e vida de Syd Barrett, que fascina e ressoa com tantos. No final, ele era mais do que um artista definido por seus trabalhos. É sua história de vida multifacetada que, para muitas pessoas, fornece a base para apreciar sua arte.



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quinta-feira, 21 de fevereiro de 2019

PAUL SIMON






















Durante a sua distinta carreira, Paul Simon recebeu muitos prêmios e honras, incluindo 12 Grammy Awards, três dos quais (“Bridge Over Troubled Water”, “Still Crazy After All These Years” e “Graceland”) foram os álbuns do ano. Em 2003, ele recebeu um Grammy Lifetime Achievement Award por seu trabalho como metade da dupla Simon e Garfunkel. Ele é membro do The Songwriters Hall of Fame, ganhador do prêmio Johnny Mercer e está no Hall da Fama do Rock'n'Roll como membro do Simon and Garfunkel e como artista solo. Sua música "Mrs. Robinson ”do filme“ The Graduate ”foi nomeado entre os dez melhores do 100 Years 100 Songs do The American Film Institute. Ele recebeu o The Kennedy Center Honors em 2002 e foi nomeado como uma das “100 pessoas que moldam o nosso mundo” da revista Time em 2006. Em 2007, o sr. Simon recebeu o primeiro Prêmio Gershwin da Canção Popular da Biblioteca do Congresso. Nomeado em homenagem ao lendário George e Ira Gershwin, este prêmio recém-criado reconhece o profundo e positivo efeito da música popular na cultura do mundo e é dado anualmente a um compositor ou intérprete cujas contribuições vitalícias exemplificam o padrão de excelência associado ao Gershwin. . Em 2011, o Sr. Simon foi eleito para a Academia Americana de Artes e Ciências.


Das muitas aparições em concertos de Simon, ele gosta mais dos dois concertos no Central Park em Nova York (com seu parceiro e amigo de infância Art Garfunkel em 1981 e como artista solo em 1991) e da série de shows que fez no convite. de Nelson Mandela na África do Sul: o primeiro artista americano a se apresentar na África do Sul pós-apartheid. Em 1998, seu desempenho no campo central no Yankee Stadium, celebrando a inauguração do monumento de Joe DiMaggio, é uma memória preciosa para esse fã de Yankee ao longo da vida.


O trabalho filantrópico de Paul Simon inclui a co-fundação do The Children's Health Fund com o Dr. Irwin Redlener. O CHF doa e equipa vans médicas móveis que levam cuidados de saúde a crianças pobres e indigentes em locais urbanos e rurais em todo o território dos Estados Unidos. Desde a sua criação em 1986, já proporcionou mais de 3 milhões de visitas de médicos / pacientes. Na sequência dos furacões Andrew e Katrina, foi a principal fonte de cuidados de saúde para as comunidades dizimadas pelas tempestades. Simon também levantou milhões de dólares para causas tão variadas quanto a AMFAR, a The Nature Conservancy, o Fundo para Crianças Presas na África do Sul e Autism Speaks e a Fundação Joe Torre Safe At Home.

FONTE: https://www.paulsimon.com/about/

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quinta-feira, 14 de fevereiro de 2019

PANNDORA


A Panndora, formada em meados de agosto de 2000, por um grupo de amigas que freqüentavam os shows da cidade de Maringá-PR e com a idéia de tocar simplesmente Heavy Metal. 

A banda conta com: Adrismith (bateria), Luana Bomb (guitarra), Taise Bijora (baixo), Renata Paschoa (vocal) e Rebeca Rastelli (guitarra)

Com influências de bandas tradicionais do Heavy Metal, como: Black Sabbath (Dio e Ozzy), Kiss, AC/DC, Twisted Sister, Wasp, Grave Digger, Quiet Riot, Judas Priest, Running Wild, Manowar, Vixen, Warlock, Acid, entre outros.

Em outubro de 2003, é lançada a primeira “demo”, contando com duas músicas: Choose Your Side e Other Life. Com mais de 1000 cópias distribuídas no Brasil e exterior. A Panndora dá o seu pontapé inicial no cenário Heavy Metal, tendo recebido ótimas críticas com o seu primeiro trabalho. A partir daí a banda é convidada para se apresentarem em vários estados do Brasil. Desde então os convites e shows não param, tendo já se apresentado nos estados do Paraná, São Paulo, Santa Catarina, Mato Grosso do Sul, Minas Gerais, Distrito Federal, Acre, Espírito Santo e mais.

Em 2007 é lançado o segundo trabalho da banda, um Cd não-oficial, contando com 7 músicas, que seriam posteriormente regravados no trabalho oficial da banda. Mais uma vez a banda recebe ótimas críticas, impulsionando mais ainda a carreira da banda.

Em 2009 a banda é selecionada dentre centenas para participar da seletiva do Wacken Open Air, maior evento de Metal, realizado em Wacken, na Alemanha.

2010 foi um ano promissor, pois iniciou a gravação do seu primeiro debut oficial, intitulado “Heretic’s Box”, gravado no renomado estúdio DaTribo, em São Paulo, com a produção de Ciero e Trek Magalhães.

“Heretic’s Box” lançado em julho de 2011 - apontado pela maioria da crítica como um álbum excelente e de composições calcadas no Heavy Metal – têm sido aceito pela maioria dos fãs de Metal do Brasil e exterior, sendo distribuído em países como: Alemanha, França, Inglaterra, Suécia, Estados Unidos, Holanda, entre outros.

Em 2012 a Panndora lança o EP “Behind the Crime”, uma prévia para o novo álbum que será lançado em 2014.

No ano de 2013, em janeiro, a Panndora lançou seu primeiro vídeo clipe, gravado nas cidades do Rio de Janeiro e Niterói, tendo como produtora Bia Escobar, da Metal Busted! No ano seguinte, o seguinte clipe da banda é lançado – Partners in Crime – pela mesma produtora.

Em 2017, a antiga vocalista Rebeca Rastelli, volta para a banda, porém num posto diferente, como guitarrista, sendo agora um quinteto.

2018 e início de 2019, a banda se concentra na gravação do seu segundo álbum, com previsão de lançamento até o primeiro semestre de 2019.


Discografia:
-2003, Choose your side,EP
-2007, Panndora, EP
-2010, Panndora Heretic’s Box promo EP
-2011, Heretic’s Box, Wind of Fate Records
-2012, Behind the Crime, EP, Wind of Fate Records
-2014, Cold Eyes 7', Supreme Music Creations Records
-2015, The Heretic's Box Extended, Non Nobis Records


Links:



Instagram: @panndoraband
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segunda-feira, 4 de fevereiro de 2019

BACHMAN-TURNER OVERDRIVE


Bachman-Turner Overdrive (também conhecido como BTO) é um grupo de rock canadense de Winnipeg, Manitoba, que lançou uma série de álbuns e singles na década de 70. O nome da família Bachman é pronunciado "back-man", pronúncia que a própria banda usa. A pronúncia alternativa como "bok-man", especialmente na rádio americana, é tão difundida que a banda não a corrige mais e ambas as pronúncias tornaram-se aceitas. O autor de horror-ficção, Stephen King, inspirou-se no nome da banda para seu pseudônimo Richard Bachman.

O primeiro álbum de Brave Belt, que levava o nome da banda, não obteve sucesso nas vendas, e Chad Allen deixou a banda logo após o início da tour. Por não haver um líder vocal de prontidão para substituir, Turner foi convidado a ser um membro de tempo integral e liderar o vocal para a gravação de Brave Belt II em 1972. Brave Belt II também falhou em alcançar sucesso nas paradas, e em 1972 a tour de suporte ao álbum foi cancelada na metade. Mas a influência de Turner já podia ser notada, conforme a banda migrava de um puro rock-country para um som mais pesado, caracterizado pelo peso da guitarra e pela voz forte e áspera de Turner.

Chad Allan aparece como vocalista em duas faixas de Brave Belt II, mas estava essencialmente fora da banda para qualquer turnê. Durante esse período, Tim Bachman foi agregado ao grupo como um segundo guitarrista pois a banda sentira sua formação de apenas 3 integrantes restritiva. Firmaram novo acordo com a Mercury Records, a qual Randy Bachman se referiu como tiro de sorte:

Após sua fita demo ser rejeitada 26 vezes, Bachman estava preparado para dizer para os outros membros da banda que não seria mais possível manter seus salários, "e eles teriam que arrumar os temidos empregos comuns".Mas o destino tomou outro rumo - em Abril de 1973, Charlie Fach da Mercury Records retornou ao seu posto após uma viagem a França para encontrar em sua mesa uma pilha de fitas demos ainda não tocadas. Querendo começar do zero, jogou todas as fitas numa lata de lixo, exceto uma, que caiu no chão fora da lata. Fach então pegou a fita e notou o nome Bachman nela. Lembrou-se de ter conversado com ele no ano anterior e de ter dito a Bachman que se alguma vez produzisse uma demo para mandá-la a ele. Enquanto tocava a primeira faixa, "Gimme Your Money Please," Fach telefonou para Bachman para dizer que queria contratar a banda.

Até o momento a fita demo da banda ainda se chamava Brave Belt III. Fach convenceu a banda de que um novo nome era necessário; e apostava no reconhecimento do nome dos membros da banda. A banda já havia cogitado a hipótese de usar seus nomes de família. No caminho de volta de uma atuação em Toronto, ao notarem uma revista de caminhões chamada Overdrive numa loja Windsor, Turner escreveu "Bachman-Turner Overdrive" e as iniciais "B.T.O." em um guardanapo. O resto da banda decidiu que o acréscimo de "Overdrive" era a maneira perfeita de descrever sua música.

BTO lançou seu álbum auto intitulado em Maio de 1973. O álbum estorou nos E.U.A. por cidades no entorno dos Grandes Lagos como Detroit e Buffalo, e permaneceu nas paradas por muitas semanas apesar da falta de um verdadeiro "single". Este foi o precurso de seu iminente sucesso.


FONTE: WIKIPÉDIA.

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sexta-feira, 25 de janeiro de 2019

U2


U2 é uma banda irlandesa de rock formada no ano de 1976. O grupo é composto por Bono (vocal e guitarra), The Edge (guitarra, teclado e backing vocal), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria e percussão). Inicialmente, o gosto musical possuía influências no gênero pós-punk, porém, eventualmente foram incorporando estilos mais genéricos. Ao longo das mudanças do grupo, eles sempre têm mantido um som construído sobre instrumentos melódicos, com destaque para as texturas e acordes do guitarrista de The Edge e dos vocais expressivos de Bono. Suas letras, muitas vezes embelezadas com imagens espirituais, têm foco em temas pessoais e preocupações sócio-políticas.


O U2 foi formado no Mount Temple Comprehensive School, quando os membros ainda eram adolescentes e com conhecimento musical limitado. Após quatro anos, eles assinaram com a gravadora Island Records e lançaram seu primeiro álbum, Boy (1980). Seu terceiro álbum, War (1983), rendeu-lhes o primeiro álbum a alcançar a posição de número 1, no Reino Unido. Hits como "Sunday Bloody Sunday" (1983) e "Pride (In the Name of Love)" (1984), ajudaram a estabelecer a reputação da banda como um grupo politicamente e socialmente consciente. Em meados da década de 1980, tornaram-se famosos por sua participação em concertos, destacando-se na atuação do Live Aid (1985). O quinto álbum de estúdio, The Joshua Tree (1987), tornou-os ícones globais, o que segundo a revista Rolling Stone, afirmou que "elevou-os a estatura de 'heróis à super-estrelas'"; sendo o maior feito comercial e crítico da história da banda irlandesa, alcançando o topo das paradas musicais em diversos países — incluindo a posição de número 1 na Billboard 200 e, na lista dos álbuns mais vendidos do mundo, com cerca de 25 milhões de cópias — produzindo singles como "With or Without You" e "I Still Haven't Found What I'm Looking For" – ambas nas posições de número 1 nos Estados Unidos, daquele ano.

Enfrentando a estagnação criativa após o lançamento do sexto álbum, Rattle and Hum (1988), lançando hits como "Desire" — obtendo Prémio Grammy para "Melhor Performance de Rock por um Grupo com Vocal" de 1989 — já na década de 1990, por fim decidiram reinventar-se sob um novo rumo musical e imagem pública, pois eram vistos como "sérios". Então, a partir do que chamam de "a segunda obra-prima do U2", lançaram do sétimo álbum, Achtung Baby (1991), vendendo 18 milhões de cópias e gerando hits como "One", juntamente com a turnê Zoo TV Tour (1992–93), caracterizada na época pela intensa multimídia; a banda integrou influências sonoras do rock alternativo, música eletrônica e industrial, abraçando uma imagem mais cômica e irreverente. Em meados da década de 1990, este experimento continuou através de seu oitavo álbum, Zooropa (1993) e nono álbum, Pop(1997), que foi apoiado pela turnê Popmart Tour (1997–98), obtendo sucessos mistos. Após não terem tido uma boa aprovação do nono álbum de estúdio, no início da década de 2000, conseguiram recuperar a aceitação do público e a boa imagem musical perante aos críticos musicais, após o lançamento do álbuns All That You Can't Leave Behind (2000) e How to Dismantle an Atomic Bomb(2004), estabelecendo um som mais convencional. Atualmente, a turnê U2 360° Tour (2009–11), lhes renderam a liderança do ranking de turnês musicais de maior bilheteria da história, arrecadando mais de 736 milhões de dólares. A partir da era Songs, Innocence (2014) e Experience (2017), caracterizaram-se pela forma de lançamento através das plataformas streaming, vindo a ter parceria com a Apple.

Atualmente, a banda lançou 14 álbuns de estúdio, encontrando-se entre os artistas recordistas de vendas, com mais de 175 milhões de álbuns vendidos mundialmente. Ganharam 22 Prêmios Grammy, mais do que qualquer outra banda. Em 2005 o grupo foi introduzido no Rock and Roll Hall of Fame. A revista Rolling Stone classificou-os na posição de número 22, na lista dos "100 Maiores Artistas de Todos os Tempos", classificando-o a "Maior Banda do Mundo". Por toda sua carreira, como banda e como indivíduos, fizeram campanhas pelos direitos humanos e causas filantrópicas, como a Anistia Internacional, ONE Campaign, Product Red, War Child e Music Rising.

FONTE:WIKIPÉDIA.
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quinta-feira, 24 de janeiro de 2019

NINA SIMONE


Ela foi uma das artistas mais extraordinárias do século XX, um ícone da música americana. Ela era a consumada contadora de histórias musical, uma griotque aprenderia, que usava seu notável talento para criar um legado de libertação, fortalecimento, paixão e amor através de um magnífico conjunto de obras. Ela ganhou o apelido de "Alta Sacerdotisa da Alma", pois ela poderia tecer um feitiço tão sedutor e hipnótico que o ouvinte perdeu a noção do tempo e do espaço à medida que eles se tornaram absorvidos no momento. Ela era quem o mundo viria a conhecer como Nina Simone.

Quando Nina Simone morreu em 21 de abril de 2003, ela deixou um tesouro intemporal de magia musical que durou quatro décadas desde seu primeiro sucesso, o clássico de 1959 do Top 10 “I Love You Porgy”, até “A Single Woman” do seu primeiro e único álbum Elektra de 1993. Enquanto trinta e três anos separam essas gravações, o elemento de emoção honesta é a cola que une os dois - é essa abordagem para cada trabalho que se tornou a marca musical intransigente de Nina.

No final de sua vida, Nina estava desfrutando de um grau de reconhecimento sem precedentes. Sua música foi apreciada pelas massas devido à revolução do CD, descoberta na Internet e exposição através de filmes e televisão. Nina vendeu mais de um milhão de CDs na última década de sua vida, fazendo dela um best-seller de catálogo global.

Nenhum site pode explorar completamente as muitas nuances e sabores que compunham os mais de 40 álbuns originais da biblioteca Nina Simone. Este site e a estação de rádio que o acompanha contêm muitos dos melhores trabalhos de Nina. No entanto, talvez não tivéssemos tido a chance de testemunhar a variedade impressionante de material que Nina poderia cobrir se não tivesse seguido o caminho que ela fez.

Nascida Eunice Kathleen Waymon em Tryon, Carolina do Norte, em 21 de fevereiro de 1933, o talento prodigioso de Nina como músico ficou evidente desde cedo, quando ela começou a tocar piano de ouvido aos três anos de idade. Sua mãe, uma ministra metodista, e seu pai, um faz-tudo e pregador, não podiam ignorar o dom da música de Eunice, dado por Deus. Criados na igreja, retos e estreitos, seus pais lhe ensinaram o que é certo e errado, que se portam com dignidade e que trabalham duro. Ela tocava piano - mas não cantava - na igreja de sua mãe, exibindo talento notável no início de sua vida. Capaz de tocar praticamente qualquer coisa de ouvido, ela logo estudava música clássica com uma inglesa chamada Muriel Mazzanovich, que se mudara para a pequena cidade do sul. Foi a partir dessas raízes humildes que Eunice desenvolveu um amor ao longo da vida de Johann Sebastian Bach, Chopin, Brahms,Este site captura marcos em uma carreira que teve mais do que sua parcela de altos e baixos.Após graduar-se como oradora da sua turma do ensino médio, a comunidade arrecadou dinheiro para uma bolsa de estudo para Eunice estudar em Julliard, na cidade de Nova York, antes de se inscrever no prestigiado Curtis Institute of Music, na Filadélfia. Sua família já havia se mudado para a Cidade do Amor Fraterno, mas as esperanças de Eunice para uma carreira como uma pianista clássica afro-americana pioneira foram destruídas quando a escola negou sua admissão. Até o final, ela mesma afirmaria que o racismo era a razão pela qual ela não compareceu. Enquanto seu sonho original não foi realizado, Eunice acabou tendo uma incrível carreira mundial como Nina Simone - quase que por padrão.

Para sobreviver, ela começou a ensinar música para estudantes locais. Um dia fatídico em 1954, olhando para complementar sua renda, Eunice fez um teste para cantar no Midtown Bar & Grill na Pacific Avenue em Atlantic City, Nova Jersey. A notícia se espalhou sobre o novo cantor e pianista que estava mergulhando nos songbooks de Gershwin, Cole Porter, Richard Rodgers e afins, transformando as músicas populares do dia em uma síntese única de jazz, blues e música clássica. Seus ricos e profundos tons vocais aveludados, combinados com seu domínio do teclado, logo atraíram frequentadores de clubes da Costa Leste. A fim de esconder o fato de que ela estava cantando em bares, a mãe de Eunice se referia à prática como "trabalhar no fogo do inferno",

Na idade de vinte e quatro anos, Nina chamou a atenção da indústria fonográfica. Depois de apresentar uma demo de canções que gravou durante uma performance em New Hope, na Pensilvânia, ela foi assinada por Syd Nathan, dono da King Records (lar de James Brown), com sede em Ohio, em sua gravadora Jazz, Bethlehem Records. A turbulenta Nathan insistiu em escolher músicas para o seu set de estréia, mas depois cedeu e permitiu que Nina mergulhasse no repertório que ela vinha apresentando em clubes de todo o litoral leste. Uma das influências musicais declaradas de Nina foi Billie Holiday e sua inspirada leitura de “Porgy” (de “Porgy & Bess”) anunciou a chegada de um novo talento no cenário nacional. Na mesma sessão gigantesca de 13 horas em 1957, gravada em Nova York, Nina também gravou “My Baby Just Cares For Me", previamente gravado por Nate King Cole, Count Basie, e Woody Herman. A canção foi usada pela Chanel em um comercial de perfumes na Europa na década de 1980 e se tornou um enorme sucesso para Nina, uma topper britânica na 5ª posição, e, assim, um marco de seu repertório para o resto de sua carreira.

A permanência e Nina Simone na Bethlehem Records durou pouco e, em 1959, depois de se mudar para Nova York, ela assinou com Joyce Selznik, a caçadora de talentos do leste da Colpix Records, uma divisão da Columbia Pictures. Meses depois do lançamento de seu LP de estreia para a gravadora (The Amazing Nina Simone, de 1959), Nina estava se apresentando em seu primeiro grande local em Nova York, o Town Hall localizado em Manhattan. Sentindo que suas performances ao vivo capturariam a espontaneidade essencial de sua arte, Colpix optou por gravar seu programa de 12 de setembro de 1959. "You Can Have Him", uma tocha gloriosa anteriormente cortada por Peggy Lee e Ella Fitzgerald, foi um dos destaques da noite. A música abriu com um arpejo de teclado deslumbrante que se tornaria sua assinatura por décadas. Tão importante foi a apresentação da prefeitura que inspirou alguns dos mesmos músicos,

Como a reputação de Nina como uma artista envolvente ao vivo cresceu, não demorou muito para que ela fosse convidada para se apresentar no prestigiado Newport Jazz Festival. Acompanhado no show de 30 de junho de 1960 de Al Schackman, um guitarrista que viria a se tornar o mais antigo colega musical de Nina, o baixista Chris White, e o baterista Bobby Hamilton, o show dinâmico foi gravado pelo Colpix. O lançamento subsequente em 1961 do antigo blues “Trouble In Mind” como single deu a Nina seu terceiro disco.

Sua estada na Colpix resultou em álbuns maravilhosos - nove no total - incluindo a versão de Nina do clássico de blues de Bessie Smith, “Nobody Knows You When You Down and Out”. Em 1960, foi lançado como single em Nina Pop and R & B. hit e uma das duas faixas Colpix para conseguir tal feito durante seus cinco anos com o selo. Outras faixas destacadas daquela época foram a canção soul “Cotton Eyed Joe”, a tocha “The Other Women” e a versão folclórica norueguesa de “Black é a cor do cabelo do meu verdadeiro amor” - todos belos exemplos de Nina Simone em sua narrativa, pintando um quadro vívido com sua habilidade como intérprete lírica. Durante esse tempo com a gravadora, Nina gravou uma música de direitos civis, “Brown Baby”, de Oscar Brown Jr., que foi incluída em seu quinto álbum para o selo At The Village Gate.

"Os críticos começaram a falar sobre que tipo de música eu estava tocando", escreve Nina em sua autobiografia de 1991, "Eu coloquei um feitiço em você", e tentei encontrar um espaço para arquivá-lo. Foi difícil para eles porque eu estava tocando músicas populares em um estilo clássico com uma técnica de piano clássico influenciada pelo coquetel jazz. Além disso, incluí espirituais e músicas infantis em minhas apresentações, e esse tipo de música foi automaticamente identificado com o movimento popular. Então, dizer que tipo de música eu interpretei deu aos críticos problemas porque havia algo de tudo lá, mas também significava que eu era apreciado por todos os lados - pelos fãs de jazz, folk, pop e blues, além de admiradores da música clássica. Claramente, Nina Simone não era uma artista que pudesse ser facilmente classificada.

As gravações da Nina Colpix consolidaram seu apelo para uma platéia norte-americana baseada em boates. Depois de se mudar para a Phillips, uma divisão da holandesa Mercury Records, ela estava pronta para expandi-la globalmente. Seu primeiro LP para a gravadora, In Concert, de 1964, sinalizou a insuperável posição de Nina pela liberdade e justiça para todos, estampando-a irrevogavelmente como uma líder pioneira e inspiradora no movimento de direitos civis dos EUA. Seu próprio “Mississippi Goddam” original foi banido em todo o sul, mas tal resposta não fez diferença no compromisso inabalável de Nina com a liberdade; gravações inovadoras subsequentes para a Philips, como “Four Women” (gravado em setembro de 1965) e “Strange Fruit” continuaram a manter Nina na vanguarda dos poucos artistas dispostos a usar a música como veículo para comentários e mudanças sociais.

Durante anos, Nina sentiu que havia muito a respeito do modo como ela ganhava a vida, o que era menos atraente. Dá-se uma ideia disso na passagem seguinte de Eu Coloque um Feitiço em Você, onde ela explica sua relutância inicial em executar material ligado ao Movimento dos Direitos Civis.

“As boates estavam sujas, fazendo discos ficarem sujos, a música popular era suja e misturar tudo isso com a política parecia sem sentido e humilhante. E até que músicas como 'Mississippi Goddam' simplesmente explodiram de mim, eu também tive problemas musicais. Como você pode pegar a memória de um homem como o ativista dos direitos civis Medgar Evers e reduzir tudo o que ele estava a três minutos e meio e uma melodia simples? Esse foi o lado musical que eu evitava; Eu não gostava de 'música de protesto' porque muito disso era tão simples e sem imaginação que tirava a dignidade das pessoas que estava tentando celebrar. Mas o bombardeio na igreja do Alabama e o assassinato de Medgar Evers interromperam essa discussão e, com "Mississippi Goddam", percebi que não havia como voltar atrás.

Nina foi profundamente afetada por esses dois eventos. Em 1962, ela se tornou amiga da famosa dramaturga Lorraine Hansberry e falou com ela sobre o Movimento pelos Direitos Civis. Embora ela tenha ficado comovida com suas conversas com Hansberry, foi preciso matar Matgar Evers e as quatro garotas de Birmingham para atuar como catalisadoras de uma transformação na carreira de Nina.

Havia muitos lados para Nina Simone. Entre suas gravações mais surpreendentes estavam a versão original e com tanto soul “Não me deixe ser incompreendida” e “Eu coloquei um feitiço em você” (que chegou ao 23º lugar nas paradas dos EUA), drama misteriosamente sombrio e desenfreado. ao máximo; “Ne Me Quitte Pas” tenra, pungente, cheia de melancolia; e com um fervor semelhante ao do evangelho, o vodu hipnótico da “mulher que vê a linha”. De um modo incomparável, Nina também adorava se aventurar no lado mais terreno da vida. Depois que ela assinou com a RCA Records em 1967 (um contrato que o então marido / empresário Andy Stroud havia negociado), suas primeiras gravações para a gravadora incluíram o atrevido “Do I Move You?” E o inegavelmente sexual “I Want a Little Sugar In”. My Bowl ”, que eram do álbum conceitual intitulado Nina Sings The Blues. Apoiado por um elenco estelar de músicos da sessão da New York City, o álbum foi de longe a sessão de gravação mais baixa de Nina. Nina já havia se tornado central em um círculo de dramaturgos, poetas e escritores afro-americanos, todos centralizados no Harlem, junto com os já mencionados Lorraine Hansberry, James Baldwin e Langston Hughes. O resultado de um dos relacionamentos tornou-se um destaque do LP com a música “Backlash Blues”, uma canção que é originada do último poema que Langston Hughes enviou para publicação antes de sua morte em maio de 1967 e deu para Nina.

Nina’s seven years with RCA produced some remarkable recordings, ranging from two songs featured in the Broadway musical “Hair” (combined into a medley, “Ain’t Got No – I Got Life,” a #2 British hit in 1968) to a Simone-ified version of George Harrison’s “Here Comes The Sun,” which remained in Nina’s repertoire all the way through to her final performance in 2002. Along the way at RCA, songs penned by Bob Dylan (“Just Like A Woman”), the brothers Gibb (“To Love Somebody”), and Tina Turner (“Funkier Than A Mosquito’s Tweeter”) took pride of place alongside Nina’s own anthem of empowerment, the classic “To Be Young, Gifted, & Black,” a song written in memory of Nina’s good friend Lorraine Hansberry. The title of the song coming from a play Hansberry had been working on just prior to her death.

Depois que Nina deixou a RCA, ela passou boa parte da década de 1970 e início dos anos 1980 vivendo na Libéria, Barbados, Inglaterra, Bélgica, França, Suíça e Holanda. Em 1978, pela primeira vez desde que deixou a RCA, Nina foi convencida pelo veterano do jazz norte-americano Creed Taylor a fazer um álbum para sua gravadora CTI. Este seria seu primeiro novo álbum de estúdio em seis anos e ela gravou na Bélgica com cordas e vocais de fundo cortados em Nova York. Com o tipo de som “limpo” que era uma marca registrada das gravações CTI, o álbum de Nina Simone que surgiu foi simplesmente brilhante. A própria Nina alegaria mais tarde que odiava o disco, mas muitos fãs discordaram fortemente. Com uma seção de dezoito cordas conduzida por David Mathews (conhecido por seus arranjos nos discos de James Brown), os resultados foram espetaculares. A faixa título, O evocativo “Baltimore” de Randy Newman foi uma escolha inspirada de Nina Simone. Ele tinha uma batida de reggae lindamente construída e usou alguns dos melhores músicos que o produtor Creed Taylor conseguiu encontrar, incluindo o guitarrista e diretor musical de Nina, Al Schackman.

Além de Fodder On My Wings, de 1982, Nina gravou para a Carrere Records, dois álbuns que ela fez da gravadora independente VPI em Hollywood (Nina's Back e Live And Kickin ') em 1985, e um conjunto de 1987 da Live At Vine Street gravado para Verve, Nina. Simone não fez outro álbum até que o executivo da Elektra A & R, Michael Alago, persuadiu-a a gravar novamente. Depois de muito vinho e jantar, Nina finalmente assinou na linha pontilhada. A Elektra bateu o produtor Andre Fischer, o notável maestro Jeremy Lubbock e um trio de músicos respeitados para fornecer o ambiente adequado para essa leitura altamente pessoal de "Uma mulher solteira", que se tornou a peça central e título do álbum final de Nina Simone.

Com dois casamentos atrás dela em 1993, ela se estabeleceu em Carry-le-Rout, perto de Aix-en-Provence, no sul da França. Ela continuaria a turnê pela década de 1990 e se tornou muito 'a mulher solteira' que ela cantou em sua última gravação. Ela raramente viajava sem um séquito, mas se você tivesse a sorte de conhecer a mulher por trás da música, poderia vislumbrar a alma solitária que compreendia a dor de ser mal interpretada. Foi uma das muitas habilidades de Nina para compreender as qualidades agridoces da vida e depois transformá-las em uma música que a tornou uma pessoa tão duradoura e fascinante.

Em sua autobiografia, Nina Simone escreve que sua função como artista é “… fazer as pessoas se sentirem em um nível profundo. É difícil descrever porque não é algo que você possa analisar; para chegar perto do que é que você tem que jogar. E quando você pega, quando você tem o público enganchado, você sempre sabe porque é como a eletricidade pairando no ar. ” Foi essa mesma eletricidade que a tornou uma artista tão importante para tantos e será que eletricidade que continua a ligar novas pessoas em todo o mundo nos próximos anos.

Nina Simone morreu durante o sono em sua casa em Carry-le-Rout, Bouches-du-Rhone em 21 de abril de 2003. Seu funeral foi assistido por Miriam Makeba, Patti Labelle, a poeta Sonia Sanchez, o ator Ossie Davis e centenas de outras pessoas. . Elton John enviou um tributo floral com a mensagem:

"Você foi o maior e eu te amo".

FONTE:http://www.ninasimone.com/bio/ 
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terça-feira, 22 de janeiro de 2019

HERON OBLIVION





Heron Oblivion é um super grupo americano de rock psicodélico que se apresentou pela primeira vez em abril de 2014, quando abriu para a War on Drugs .Seus membros, todos ativos no cenário do rock psicodélico em meados dos anos 2000, são: a cantora e baterista Meg Baird (ex- Espers ), o baixista Ethan Miller ( Comets on Fire e Howlin 'Rain ) o guitarrista Noel Von Harmonson (Comets on Fire) e o segundo guitarrista Charlie Saufley( Montar Head em Sunburst Sound ). A banda lançou seu primeiro álbum, que foi auto-intitulado, em 4 de março de 2016 pela Sub Pop Records.

Recepção crítica
Heron Oblivion recebeu críticas favoráveis ​​dos críticos: de acordo com Metacritic , o álbum tem uma pontuação de 80 em 100, indicando "revisões geralmente favoráveis". Aaron Leitko escreveu no Washington Post que o álbum "se move elegantemente entre os extremos - suave e alto, harmonia e dissonância".Escrevendo para a Pitchfork Media , Leitko deu ao álbum uma pontuação de 7.7 de 10 e descreveu suas músicas como "sombrias e sombrias, com momentos claros de catarse dirigido pelo solo de guitarra". Doug Mosurock escreveu para a NPR que o álbum "restaura tanto a austeridade quanto o excesso de bolhas na forma, Jefferson Airplane e os puristas que vieram depois ( grandes estrelas , Vermonster eo resto do elenco torcida Village, para começar, bem como Polvo e Sonic Youth , que cortaram suas próprias trilhas ao longo dos anos 80 e 90)."
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ELDER


Elder é uma banda de heavy metal de três partes de Boston , Massachusetts , formada pelo frontman Nick DiSalvo, o baterista Matt Couto e o baixista Jack Donovan (que substituiu o baixista fundador Chas Mitchell). Eles lançaram cinco álbuns completos desde 2006, além de demos, EPs e um álbum dividido com Queen Elephantine . DiSalvo afirmou que Color Haze e Dungen são "as bandas que realmente influenciaram a metodologia ou a filosofia por trás da nova direção de [Elder]"

FONTE: WIKIPÉDIA
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sexta-feira, 18 de janeiro de 2019

PARLIAMENT


Parliament era originalmente The Parliaments, um grupo vocal de doo-wop baseado em uma barbearia de Plainfield, Nova Jersey. O grupo foi formado no final da década de 1950 e incluiu George Clinton, Ray Davis, Fuzzy Haskins, Calvin Simon e Grady Thomas. Clinton era o líder e gerente do grupo. O grupo finalmente teve um hit single em 1967 com "(I Wanna) Testify" no Revilot Records. Para capitalizar, Clinton formou uma banda de apoio para uma turnê, com o participante do adolescente Billy Bass Nelson no baixo e seu amigo Eddie Hazel na guitarra elétrica, com a formação eventualmente completada por Tawl Ross na guitarra, Tiki Fulwood na bateriae Mickey Atkins no órgão. 

Durante uma disputa contratual com Revilot, Clinton perdeu temporariamente os direitos sobre o nome "The Parliaments" e assinou o conjunto para a Westbound Records como Funkadelic, que Clinton colocou como uma banda de funk rock com os cinco músicos de turnês com os cinco cantores do Parliaments como convidados não credenciados. Com Funkadelic como uma entidade de gravação e turnê por direito próprio, em 1970, Clinton relançou o grupo de cantores, agora conhecido como Parliament, em primeiro lugar com os mesmos dez membros. Clinton já era o líder de dois atos diferentes, o Parliament e o Funkadelic, que apresentavam os mesmos membros, mas foram comercializados como criando dois tipos diferentes de funk. 

O álbum do Parliament intitulado Osmium foi lançado no Invictus Records em 1970, e mais tarde foi reeditado em CD com faixas que não estavam no álbum como Rhenium e First Thangs. Osmium apresentou um som de soul essencialmente psicodélico que era mais parecido com os álbuns Funkadelic do período do que com os álbuns anteriores do Parliament. A música "The Breakdown" foi lançada separadamente como single e alcançou o número 30 nas paradas de R&B em 1971. Devido a problemas contratuais contínuos e ao facto de os lançamentos do Funkadelic terem sido mais bem sucedidos na época, Clinton abandonou o nome do Parliament até 1974. 

Após o Osmium, a programação do Parliament-Funkadelic começou por muitas mudanças e foi ampliada de forma significativa, com a adição de membros importantes como o tecladista Bernie Worrell em 1970, o cantor / guitarrista Garry Shider em 1971 e o baixista Bootsy Collins (ex-membro da The J.B.'s, banda de James Brown) em 1972. Dezenas de cantores e músicos contribuiriam para futuras versões do Parliament-Funkadelic. Clinton relançou o Parliament em 1974 e assinou com a Casablanca Records. O Parliament, agora aumentado pelo grupo de metais Horny Horns (que também integraram a banda de James Brown), foi posicionado como um conjunto de funk baseado em um R&B mais suave, com acordos de metais e vocal intrincados e como contraponto ao funk rock baseado em guitarra de Funkadelic. Neste ponto, o Parliament e o Funkadelic estavam viajando como uma entidade combinada conhecida como Parliament-Funkadelic ou simplesmente P-funk (que também se tornou o termo genérico para as múltiplas bandas no controle de George Clinton). 

O álbum Up for the Down Stroke foi lançado em 1974 e Chocolate City em 1975. Ambos tiveram um forte desempenho nas paradas Billboard R&B e foram moderadamente bem sucedidos nas paradas pop. O Parliament começou seu período de maior sucesso dominante com o conceito de álbum Mothership Connection (1975), cuja letra lançou grande parte da mitologia P-Funk. Os álbuns subsequentes The Clones of Dr. Funkenstein (1976), Funkentelechy vs. the Placebo Syndrome (1977), e Motor Booty Affair (1978) atingiram o máximo nas paradas R&B e Pop, enquanto o Funkadelic também estava tendo um grande sucesso. O Parliament teve singles em primeiro lugar em paradas R&B: "Flash Light" em 1977 e "Aqua Boogie" em 1978. 

O conjunto de músicos e cantores que se expandiram rapidamente na empresa Parliament-Funkadelic, bem como as práticas problemáticas de gerenciamento de Clinton, começaram a ter seu impacto no final da década de 1970. Os membros dos Parliaments originais, Fuzzy Haskins, Calvin Simon e Grady Thomas, que estiveram com Clinton desde os dias de barbearia no final da década de 1950, saíram acrimoniosamente em 1977, após disputas sobre a administração de Clinton. Outros membros importantes do grupo, como o cantor/guitarrista Glenn Goins e o baterista Jerome Brailey, deixaram o Parliament-Funkadelic em 1978 após disputas sobre a administração de Clinton. Dois outros álbuns do Parlaiment, Gloryhallastoopid (1979) e Trombipulation (1980) tiveram menos sucesso do que os álbuns do período 1975-1978 do grupo. 

No início da década de 1980, com dificuldades legais decorrentes dos múltiplos nomes usados por vários grupos, bem como a reestruturação da Casablanca Records, George Clinton dissolveu o Parliament e Funkadelic como entidades de gravação e turnê. No entanto, muitos dos músicos nas versões posteriores dos dois grupos permaneceram empregados por Clinton. Clinton continuou a lançar novos álbuns regularmente, às vezes sob seu próprio nome e às vezes sob o nome de George Clinton & the P-Funk All-Stars. O P-Funk All-Stars continuou a gravar e visitar as décadas de 1990 e 2000, e regularmente tocar músicas clássicas do Parliament. 

FONTE: WIKIPÉDIA 

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quarta-feira, 16 de janeiro de 2019

KROKUS



Desde 1975, a Krokus é sinônimo de power rock de alta qualidade, honesto e a mão. Nenhuma outra banda de rock suíça vende álbuns e seu catálogo de volta ao mundo, como Krokus. A banda já vendeu mais de 15 milhões de discos, excursionou pelo mundo e recebeu discos de ouro e platina nos EUA e no Canadá. Os marcos de sua carreira no rock estão espalhados pelo mundo: da Austrália e dos EUA ao México, Rússia, Japão e China. A Krokus foi a primeira banda suíça a vender o lendário Hallenstadion, em Zurique, e recebeu um Diamond Disc por vender um milhão de álbuns apenas na Suíça.


Em 1980, a banda começou a conquistar a América, o Canadá e a Inglaterra, consolidando rapidamente sua reputação como uma banda ao vivo forte e prática. Logo eles fizeram parte de turnês inesquecíveis e na mesma lista de bandas incríveis como AC / DC, Van Halen, Rush, Ted Nugent, Judas Priest, Motörhead e muitos, muitos mais. Estes eram tempos selvagens, cheios de grandes aventuras, que viram a banda não só ganhar ouro e platina nos EUA e no Canadá, mas também se tornarem cidadãos honorários de Memphis, Tennessee.

Mas nem tudo tem sido um longo tempo: a morte, a doença e o conflito interno levaram a banda à beira do colapso. A história de Krokus é diferente de qualquer outra. Está cheio de altos e baixos, concertos de estádio esgotados e shows de clubes suados. Esses cinco mosqueteiros do rock sobreviveram às tendências e sobreviveram a gerentes traiçoeiros dos EUA, divisões duras, acordos ruins, advogados obscuros, drogas, fast food horrível, viagens de ônibus intermináveis, discoteca, grotescas gravadoras e consultores de dupla negociação.

No decorrer de sua carreira lendária, Krokus já fez mais de 2.000 shows em cinco continentes, inúmeras cidades, locais únicos, shows malucos e fãs leais. Eles estarão de volta à estrada novamente em 2017, cruzando a Europa e os EUA.

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JACO PASTORIUS


Jaco Pastorius, o homem que revolucionou a forma como o baixo é tocado e que é, para muitos, o melhor e mais influente baixista de todos os tempos, não iniciou sua vida musical no instrumento. Em vez disso, o homem que seria o mestre do baixo elétrico fretless era um baterista.

Um baterista, assim como seu pai, Jack Pastorius, um jogador de big band e cantor. Jaco foi o primeiro dos três filhos de Jack e sua esposa, Stephanie. Ele chegou em 1 de dezembro de 1951 em Norristown, Pensilvânia, perto da Filadélfia. John Francis Anthony Pastorius III foi rapidamente dado um apelido por seus pais - "Jocko", que se transformou em "Jaco" no início dos anos 1970, quando um amigo músico francês e vizinho, Alex Darqui, soletrou dessa maneira por engano. Jaco gostou da grafia alternativa e a manteve.

Quando Jaco tinha quase oito anos de idade, sua família mudou-se para Oakland Park, Flórida, perto de Fort Lauderdale. Jaco era um garoto doce e competitivo, que adorava jogar, inclusive futebol. Como filho de um músico, ele também estava interessado em música e comprou uma pequena bateria com dinheiro ganho como entregador de jornal. Seus dois interesses colidiram em 1964 durante um treino de futebol juvenil em que o pulso de Jaco foi gravemente ferido, tanto que eventualmente exigiu uma cirurgia corretiva. Jaco continuou a tocar bateria depois disso, mas foi muito mais difícil do que ter sido antes desse sucesso na prática.

Jaco se torna um baixista

Independentemente disso, ele conseguiu shows como baterista e, em 1966, ainda no colegial, entrou para a banda de covers de soul, Las Olas Brass. Quando um baterista mais experiente se apresentou para a banda, algo fatídico aconteceu: o baixista da banda decidiu seguir em frente ao mesmo tempo. Embora ele não fosse um baixista, Jaco entrou na fenda vazia. Ele usou o dinheiro que ganhou como jornaleiro para fazer outra compra musical. Desta vez, ele comprou um novo baixo Fender Jazz.

Foi durante esta época que uma noção das futuras habilidades de Jaco começou a aparecer. Ele não sabia ler música, mas, em 1968, pegou emprestado o gravador de bobina de Bob Bobbing de seu amigo Bob Bobbing e criou sua versão de “The Chicken”, de Pee-Wee Ellis. Jaco tocou todos os instrumentos da gravação, que ele enviou para a viúva de John Coltrane, Alice, também um músico talentoso. Ela retribuiu o favor respondendo com uma carta encorajadora. Nos últimos anos, "The Chicken" tornou-se um dos principais temas do show de Jaco. Com o seu interesse pelo jazz, Jaco também adquiriu um contrabaixo. Mas, não foi fácil de manter e ele acabou trocando por outro baixo elétrico. Mais tarde, ele se tornaria conhecido por ter um tom ereto em seu elétrico sem trastes.

Algo mais aconteceu durante esse período de sua vida. Ele conheceu uma garota chamada Tracy Lee, que estava destinada a se tornar sua primeira esposa.

Depois do Las Olas Brass, Jaco passou a tocar em um trio de R & B chamado Woodchuck. Seu baixo tocando cresceu enquanto ele estava no trio. Seu irmão mais novo, Rory, lembra-se de uma conversa com Jaco, que estava se aproximando de seu aniversário de 18 anos, detalhado no livro de Bill Milkowski, Jaco: A Vida Extraordinária e Trágica de Jaco Pastorius. . "Ele me olhou nos olhos e disse sério: 'Rory, cara, eu sou o melhor baixista do mundo.' Eu olhei para ele e disse: 'Eu sei' ”.

Enquanto Jaco estava confiante, ele também poderia ser humilde. Em sua carreira posterior, ele era conhecido por dizer: “Estou fazendo uma imitação muito ruim do baixo de Jerry Jemmott. . . .

Durante seus dias de Woodchuck, Jaco também cresceu de outra maneira. Ele se tornou marido e pai. Ele e Tracy se casaram em agosto de 1970, e sua filha Mary nasceu em dezembro daquele ano, oito dias depois do aniversário de 19 anos de seu pai. Ele encontrou um navio de cruzeiro um pouco e sua jovem família viajou com ele no Caribe. Logo, outro grupo veio chamando - uma revista de soul chamada Tommy Strand & the Upper Hand. Seu desempenho melhorou ainda mais com o grupo, mas ele realmente entrou em um novo território com a próxima banda que ele se juntou: Wayne Cochran e o CC Riders.

Uma Educação Musical e Crescimento Redemoinho

Ele passou apenas cinco meses no grupo de R & B, liderado pelo cantor de soul branco Cochran, e como ele tinha no navio de cruzeiro, ele encontrou um caminho para Tracy e sua filha, Mary, viajar com ele às vezes. O casal não se entregou a nenhum comportamento selvagem no ônibus da turnê. Jaco não bebia nem usava drogas, e praticamente vivia com o baixo nas mãos. Ele aprendeu a ler música durante seu período de 1972 com o grupo. O membro da banda Charlie Brent também deu a Jaco um influente curso de arranjos. Brent se lembra de Jaco aparecendo com um gráfico para a banda, apenas três dias depois que ele e Brent tiveram uma longa conversa sobre arranjos. Era lindo, Brent disse. “Ele era esse talento bruto que evoluía diante dos nossos olhos.” (Milkowski, pg. 45). A longa revista de Cochran foi intensa,

Quando se desenvolveu como jogador, Jaco experimentou a criação de baixos sem fretless. No início dos anos 70, ele adquiriu um baixo Fender Jazz de 1962, que Jaco adquiriu já sem fretless ou do qual ele removeu os trastes com uma faca de manteiga (suas lembranças variaram ao longo dos anos). Jaco preencheu as áreas onde os trastes estavam com madeira de plástico e revestiu o antigo braço com epóxi. Esse baixo, que foi o principal instrumento sem trastes que ele gravou, e Jaco o apelidaram de Bass of Doom.

Depois que seu tempo com Cochran terminou, ele voltou para a Flórida. Ele tocou com a Peter Graves Orchestra, conectada com o saxofonista-trompetista Ira Sullivan e conheceu e tocou pela primeira vez o guitarrista de jazz Pat Metheny. Jaco começou a tocar um grupo de jazz com Sullivan, e o som do quarteto - jazz, mas com influências de funk e R & B - começou a atrair jovens fãs. Ele também forneceu uma saída para as composições de Jaco, várias das quais, como "Continuum", apareceram em seu primeiro álbum solo.

Em 1973, Jaco e Tracy acrescentaram outra criança à família - John Francis Pastorius IV, e naquele inverno Jaco se conectou com o pianista de jazz Paul Bley. No ano seguinte, Jaco entrou em um estúdio e fez uma sessão de demonstração com músicas que apareceriam em seu álbum solo auto-intitulado.

Jaco, Metheny, Bley e o baterista Bruce Ditmas criaram um álbum em conjunto, chamado Jaco, em 1974. E, durante uma viagem ao famoso Berklee College of Music, em Boston, Jaco mostrou aos alunos como ele conseguiu seu som no estilo elétrico. . Ele acabou ensinando o baixo como instrutor adjunto no departamento de jazz da Universidade de Miami, então dirigido por Bill Lee, pai de outro baixista famoso: Will Lee, mais conhecido do público geral por seu trabalho na TV tarde da noite. hospeda a banda da casa de David Letterman.

Mas Jaco não amava ensinar, e algo estava prestes a acontecer que mudou sua vida. Bobby Colomby, o baterista e líder do Blood, Sweat & Tears, estava em Fort Lauderdale para um show quando viu Tracy Pastorius na praia. Ele achou que ela era fofa e eles começaram a conversar. Ela disse a ele que seu marido “é o melhor baixista do mundo”. Colomby também estava procurando artistas para a divisão de jazz da Epic Records. Ele decidiu ver Jaco jogar. Depois de vê-lo em ação, ele rapidamente ofereceu a Jaco um contrato de gravação. Jaco assinou em setembro de 1975 e um mês depois, ele estava gravando Jaco Pastorius .

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segunda-feira, 14 de janeiro de 2019

BO CARTER


Armenter Chatmon (30 de junho, 1893-1821 setembro de 1964), conhecido como Bo Carter , foi um dos primeiros americanos azuis músico . Ele era um membro dos xeques do Mississippi em concertos e em algumas de suas gravações . Ele também gerenciou o grupo, que incluiu seus irmãos Lonnie Chatmon no violino e, ocasionalmente, Sam Chatmon no baixo e seu amigo Walter Vinson na guitarra e vocal principal .

Desde a década de 1960, Carter se tornou mais conhecido por suas canções obscenas , como "Let Me Roll Your Lemon", "Banana in Your Fruit Basket", "Pin in Your Cushion", "Your Biscuits Are Big Enough for Me", "Please Warm My Wiener" and "My Pencil Won't Write No More".  No entanto, sua produção não se limitou a blues sujos. Em 1928, ele gravou a versão original de " Corrine, Corrina ", que mais tarde se tornou um sucesso para Big Joe Turner e se tornou um padrão em vários gêneros musicais. 

Carter e seus irmãos (incluindo o pianista Harry Chatmon, que também fez gravações) primeiro aprenderam a música de seu pai, o violinista Henderson Chatmon, um ex-escravo, em sua casa em uma plantação entre Bolton e Edwards, Mississippi . Sua mãe, Eliza, também cantou e tocou violão .

Carter fez sua estréia na gravação em 1928, apoiando Alec Johnson, e logo gravava como músico solo . Ele se tornou um dos azuis dominantes gravação atos da década de 1930, registrando 110 lados. Ele também brincou com e gerenciou o grupo familiar, os xeques do Mississippi e vários outros atos na área. Ele e os xeques costumavam se apresentar para os brancos , tocando os sucessos pop do dia e a música de dança branca , assim como para os negros , tocando um repertório de bluesier. 

Carter ficou parcialmente cego durante os anos 1930.  Ele estabeleceu-se em Glen Allan, Mississippi , e apesar de seus problemas de visão fez alguma agricultura, mas também continuou a tocar música e se apresentar, às vezes com seus irmãos. Ele se mudou para Memphis, Tennessee , e trabalhou fora da indústria da música na década de 1940.

Carter sofreu derrames e morreu de uma hemorragia cerebral no Shelby County Hospital, em Memphis, em 21 de setembro de 1964.

Ele não é parente do ex-comissário-assistente da Southwest Conference e Big 12 Conference, Sam T. (Bo) Carter.
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