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Música do blog

quinta-feira, 21 de fevereiro de 2019

PAUL SIMON






















Durante a sua distinta carreira, Paul Simon recebeu muitos prêmios e honras, incluindo 12 Grammy Awards, três dos quais (“Bridge Over Troubled Water”, “Still Crazy After All These Years” e “Graceland”) foram os álbuns do ano. Em 2003, ele recebeu um Grammy Lifetime Achievement Award por seu trabalho como metade da dupla Simon e Garfunkel. Ele é membro do The Songwriters Hall of Fame, ganhador do prêmio Johnny Mercer e está no Hall da Fama do Rock'n'Roll como membro do Simon and Garfunkel e como artista solo. Sua música "Mrs. Robinson ”do filme“ The Graduate ”foi nomeado entre os dez melhores do 100 Years 100 Songs do The American Film Institute. Ele recebeu o The Kennedy Center Honors em 2002 e foi nomeado como uma das “100 pessoas que moldam o nosso mundo” da revista Time em 2006. Em 2007, o sr. Simon recebeu o primeiro Prêmio Gershwin da Canção Popular da Biblioteca do Congresso. Nomeado em homenagem ao lendário George e Ira Gershwin, este prêmio recém-criado reconhece o profundo e positivo efeito da música popular na cultura do mundo e é dado anualmente a um compositor ou intérprete cujas contribuições vitalícias exemplificam o padrão de excelência associado ao Gershwin. . Em 2011, o Sr. Simon foi eleito para a Academia Americana de Artes e Ciências.


Das muitas aparições em concertos de Simon, ele gosta mais dos dois concertos no Central Park em Nova York (com seu parceiro e amigo de infância Art Garfunkel em 1981 e como artista solo em 1991) e da série de shows que fez no convite. de Nelson Mandela na África do Sul: o primeiro artista americano a se apresentar na África do Sul pós-apartheid. Em 1998, seu desempenho no campo central no Yankee Stadium, celebrando a inauguração do monumento de Joe DiMaggio, é uma memória preciosa para esse fã de Yankee ao longo da vida.


O trabalho filantrópico de Paul Simon inclui a co-fundação do The Children's Health Fund com o Dr. Irwin Redlener. O CHF doa e equipa vans médicas móveis que levam cuidados de saúde a crianças pobres e indigentes em locais urbanos e rurais em todo o território dos Estados Unidos. Desde a sua criação em 1986, já proporcionou mais de 3 milhões de visitas de médicos / pacientes. Na sequência dos furacões Andrew e Katrina, foi a principal fonte de cuidados de saúde para as comunidades dizimadas pelas tempestades. Simon também levantou milhões de dólares para causas tão variadas quanto a AMFAR, a The Nature Conservancy, o Fundo para Crianças Presas na África do Sul e Autism Speaks e a Fundação Joe Torre Safe At Home.

FONTE: https://www.paulsimon.com/about/

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quinta-feira, 14 de fevereiro de 2019

PANNDORA


A Panndora, formada em meados de agosto de 2000, por um grupo de amigas que freqüentavam os shows da cidade de Maringá-PR e com a idéia de tocar simplesmente Heavy Metal. 

A banda conta com: Adrismith (bateria), Luana Bomb (guitarra), Taise Bijora (baixo), Renata Paschoa (vocal) e Rebeca Rastelli (guitarra)

Com influências de bandas tradicionais do Heavy Metal, como: Black Sabbath (Dio e Ozzy), Kiss, AC/DC, Twisted Sister, Wasp, Grave Digger, Quiet Riot, Judas Priest, Running Wild, Manowar, Vixen, Warlock, Acid, entre outros.

Em outubro de 2003, é lançada a primeira “demo”, contando com duas músicas: Choose Your Side e Other Life. Com mais de 1000 cópias distribuídas no Brasil e exterior. A Panndora dá o seu pontapé inicial no cenário Heavy Metal, tendo recebido ótimas críticas com o seu primeiro trabalho. A partir daí a banda é convidada para se apresentarem em vários estados do Brasil. Desde então os convites e shows não param, tendo já se apresentado nos estados do Paraná, São Paulo, Santa Catarina, Mato Grosso do Sul, Minas Gerais, Distrito Federal, Acre, Espírito Santo e mais.

Em 2007 é lançado o segundo trabalho da banda, um Cd não-oficial, contando com 7 músicas, que seriam posteriormente regravados no trabalho oficial da banda. Mais uma vez a banda recebe ótimas críticas, impulsionando mais ainda a carreira da banda.

Em 2009 a banda é selecionada dentre centenas para participar da seletiva do Wacken Open Air, maior evento de Metal, realizado em Wacken, na Alemanha.

2010 foi um ano promissor, pois iniciou a gravação do seu primeiro debut oficial, intitulado “Heretic’s Box”, gravado no renomado estúdio DaTribo, em São Paulo, com a produção de Ciero e Trek Magalhães.

“Heretic’s Box” lançado em julho de 2011 - apontado pela maioria da crítica como um álbum excelente e de composições calcadas no Heavy Metal – têm sido aceito pela maioria dos fãs de Metal do Brasil e exterior, sendo distribuído em países como: Alemanha, França, Inglaterra, Suécia, Estados Unidos, Holanda, entre outros.

Em 2012 a Panndora lança o EP “Behind the Crime”, uma prévia para o novo álbum que será lançado em 2014.

No ano de 2013, em janeiro, a Panndora lançou seu primeiro vídeo clipe, gravado nas cidades do Rio de Janeiro e Niterói, tendo como produtora Bia Escobar, da Metal Busted! No ano seguinte, o seguinte clipe da banda é lançado – Partners in Crime – pela mesma produtora.

Em 2017, a antiga vocalista Rebeca Rastelli, volta para a banda, porém num posto diferente, como guitarrista, sendo agora um quinteto.

2018 e início de 2019, a banda se concentra na gravação do seu segundo álbum, com previsão de lançamento até o primeiro semestre de 2019.


Discografia:
-2003, Choose your side,EP
-2007, Panndora, EP
-2010, Panndora Heretic’s Box promo EP
-2011, Heretic’s Box, Wind of Fate Records
-2012, Behind the Crime, EP, Wind of Fate Records
-2014, Cold Eyes 7', Supreme Music Creations Records
-2015, The Heretic's Box Extended, Non Nobis Records


Links:



Instagram: @panndoraband
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segunda-feira, 4 de fevereiro de 2019

BACHMAN-TURNER OVERDRIVE


Bachman-Turner Overdrive (também conhecido como BTO) é um grupo de rock canadense de Winnipeg, Manitoba, que lançou uma série de álbuns e singles na década de 70. O nome da família Bachman é pronunciado "back-man", pronúncia que a própria banda usa. A pronúncia alternativa como "bok-man", especialmente na rádio americana, é tão difundida que a banda não a corrige mais e ambas as pronúncias tornaram-se aceitas. O autor de horror-ficção, Stephen King, inspirou-se no nome da banda para seu pseudônimo Richard Bachman.

O primeiro álbum de Brave Belt, que levava o nome da banda, não obteve sucesso nas vendas, e Chad Allen deixou a banda logo após o início da tour. Por não haver um líder vocal de prontidão para substituir, Turner foi convidado a ser um membro de tempo integral e liderar o vocal para a gravação de Brave Belt II em 1972. Brave Belt II também falhou em alcançar sucesso nas paradas, e em 1972 a tour de suporte ao álbum foi cancelada na metade. Mas a influência de Turner já podia ser notada, conforme a banda migrava de um puro rock-country para um som mais pesado, caracterizado pelo peso da guitarra e pela voz forte e áspera de Turner.

Chad Allan aparece como vocalista em duas faixas de Brave Belt II, mas estava essencialmente fora da banda para qualquer turnê. Durante esse período, Tim Bachman foi agregado ao grupo como um segundo guitarrista pois a banda sentira sua formação de apenas 3 integrantes restritiva. Firmaram novo acordo com a Mercury Records, a qual Randy Bachman se referiu como tiro de sorte:

Após sua fita demo ser rejeitada 26 vezes, Bachman estava preparado para dizer para os outros membros da banda que não seria mais possível manter seus salários, "e eles teriam que arrumar os temidos empregos comuns".Mas o destino tomou outro rumo - em Abril de 1973, Charlie Fach da Mercury Records retornou ao seu posto após uma viagem a França para encontrar em sua mesa uma pilha de fitas demos ainda não tocadas. Querendo começar do zero, jogou todas as fitas numa lata de lixo, exceto uma, que caiu no chão fora da lata. Fach então pegou a fita e notou o nome Bachman nela. Lembrou-se de ter conversado com ele no ano anterior e de ter dito a Bachman que se alguma vez produzisse uma demo para mandá-la a ele. Enquanto tocava a primeira faixa, "Gimme Your Money Please," Fach telefonou para Bachman para dizer que queria contratar a banda.

Até o momento a fita demo da banda ainda se chamava Brave Belt III. Fach convenceu a banda de que um novo nome era necessário; e apostava no reconhecimento do nome dos membros da banda. A banda já havia cogitado a hipótese de usar seus nomes de família. No caminho de volta de uma atuação em Toronto, ao notarem uma revista de caminhões chamada Overdrive numa loja Windsor, Turner escreveu "Bachman-Turner Overdrive" e as iniciais "B.T.O." em um guardanapo. O resto da banda decidiu que o acréscimo de "Overdrive" era a maneira perfeita de descrever sua música.

BTO lançou seu álbum auto intitulado em Maio de 1973. O álbum estorou nos E.U.A. por cidades no entorno dos Grandes Lagos como Detroit e Buffalo, e permaneceu nas paradas por muitas semanas apesar da falta de um verdadeiro "single". Este foi o precurso de seu iminente sucesso.


FONTE: WIKIPÉDIA.

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sexta-feira, 25 de janeiro de 2019

U2


U2 é uma banda irlandesa de rock formada no ano de 1976. O grupo é composto por Bono (vocal e guitarra), The Edge (guitarra, teclado e backing vocal), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria e percussão). Inicialmente, o gosto musical possuía influências no gênero pós-punk, porém, eventualmente foram incorporando estilos mais genéricos. Ao longo das mudanças do grupo, eles sempre têm mantido um som construído sobre instrumentos melódicos, com destaque para as texturas e acordes do guitarrista de The Edge e dos vocais expressivos de Bono. Suas letras, muitas vezes embelezadas com imagens espirituais, têm foco em temas pessoais e preocupações sócio-políticas.


O U2 foi formado no Mount Temple Comprehensive School, quando os membros ainda eram adolescentes e com conhecimento musical limitado. Após quatro anos, eles assinaram com a gravadora Island Records e lançaram seu primeiro álbum, Boy (1980). Seu terceiro álbum, War (1983), rendeu-lhes o primeiro álbum a alcançar a posição de número 1, no Reino Unido. Hits como "Sunday Bloody Sunday" (1983) e "Pride (In the Name of Love)" (1984), ajudaram a estabelecer a reputação da banda como um grupo politicamente e socialmente consciente. Em meados da década de 1980, tornaram-se famosos por sua participação em concertos, destacando-se na atuação do Live Aid (1985). O quinto álbum de estúdio, The Joshua Tree (1987), tornou-os ícones globais, o que segundo a revista Rolling Stone, afirmou que "elevou-os a estatura de 'heróis à super-estrelas'"; sendo o maior feito comercial e crítico da história da banda irlandesa, alcançando o topo das paradas musicais em diversos países — incluindo a posição de número 1 na Billboard 200 e, na lista dos álbuns mais vendidos do mundo, com cerca de 25 milhões de cópias — produzindo singles como "With or Without You" e "I Still Haven't Found What I'm Looking For" – ambas nas posições de número 1 nos Estados Unidos, daquele ano.

Enfrentando a estagnação criativa após o lançamento do sexto álbum, Rattle and Hum (1988), lançando hits como "Desire" — obtendo Prémio Grammy para "Melhor Performance de Rock por um Grupo com Vocal" de 1989 — já na década de 1990, por fim decidiram reinventar-se sob um novo rumo musical e imagem pública, pois eram vistos como "sérios". Então, a partir do que chamam de "a segunda obra-prima do U2", lançaram do sétimo álbum, Achtung Baby (1991), vendendo 18 milhões de cópias e gerando hits como "One", juntamente com a turnê Zoo TV Tour (1992–93), caracterizada na época pela intensa multimídia; a banda integrou influências sonoras do rock alternativo, música eletrônica e industrial, abraçando uma imagem mais cômica e irreverente. Em meados da década de 1990, este experimento continuou através de seu oitavo álbum, Zooropa (1993) e nono álbum, Pop(1997), que foi apoiado pela turnê Popmart Tour (1997–98), obtendo sucessos mistos. Após não terem tido uma boa aprovação do nono álbum de estúdio, no início da década de 2000, conseguiram recuperar a aceitação do público e a boa imagem musical perante aos críticos musicais, após o lançamento do álbuns All That You Can't Leave Behind (2000) e How to Dismantle an Atomic Bomb(2004), estabelecendo um som mais convencional. Atualmente, a turnê U2 360° Tour (2009–11), lhes renderam a liderança do ranking de turnês musicais de maior bilheteria da história, arrecadando mais de 736 milhões de dólares. A partir da era Songs, Innocence (2014) e Experience (2017), caracterizaram-se pela forma de lançamento através das plataformas streaming, vindo a ter parceria com a Apple.

Atualmente, a banda lançou 14 álbuns de estúdio, encontrando-se entre os artistas recordistas de vendas, com mais de 175 milhões de álbuns vendidos mundialmente. Ganharam 22 Prêmios Grammy, mais do que qualquer outra banda. Em 2005 o grupo foi introduzido no Rock and Roll Hall of Fame. A revista Rolling Stone classificou-os na posição de número 22, na lista dos "100 Maiores Artistas de Todos os Tempos", classificando-o a "Maior Banda do Mundo". Por toda sua carreira, como banda e como indivíduos, fizeram campanhas pelos direitos humanos e causas filantrópicas, como a Anistia Internacional, ONE Campaign, Product Red, War Child e Music Rising.

FONTE:WIKIPÉDIA.
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quinta-feira, 24 de janeiro de 2019

NINA SIMONE


Ela foi uma das artistas mais extraordinárias do século XX, um ícone da música americana. Ela era a consumada contadora de histórias musical, uma griotque aprenderia, que usava seu notável talento para criar um legado de libertação, fortalecimento, paixão e amor através de um magnífico conjunto de obras. Ela ganhou o apelido de "Alta Sacerdotisa da Alma", pois ela poderia tecer um feitiço tão sedutor e hipnótico que o ouvinte perdeu a noção do tempo e do espaço à medida que eles se tornaram absorvidos no momento. Ela era quem o mundo viria a conhecer como Nina Simone.

Quando Nina Simone morreu em 21 de abril de 2003, ela deixou um tesouro intemporal de magia musical que durou quatro décadas desde seu primeiro sucesso, o clássico de 1959 do Top 10 “I Love You Porgy”, até “A Single Woman” do seu primeiro e único álbum Elektra de 1993. Enquanto trinta e três anos separam essas gravações, o elemento de emoção honesta é a cola que une os dois - é essa abordagem para cada trabalho que se tornou a marca musical intransigente de Nina.

No final de sua vida, Nina estava desfrutando de um grau de reconhecimento sem precedentes. Sua música foi apreciada pelas massas devido à revolução do CD, descoberta na Internet e exposição através de filmes e televisão. Nina vendeu mais de um milhão de CDs na última década de sua vida, fazendo dela um best-seller de catálogo global.

Nenhum site pode explorar completamente as muitas nuances e sabores que compunham os mais de 40 álbuns originais da biblioteca Nina Simone. Este site e a estação de rádio que o acompanha contêm muitos dos melhores trabalhos de Nina. No entanto, talvez não tivéssemos tido a chance de testemunhar a variedade impressionante de material que Nina poderia cobrir se não tivesse seguido o caminho que ela fez.

Nascida Eunice Kathleen Waymon em Tryon, Carolina do Norte, em 21 de fevereiro de 1933, o talento prodigioso de Nina como músico ficou evidente desde cedo, quando ela começou a tocar piano de ouvido aos três anos de idade. Sua mãe, uma ministra metodista, e seu pai, um faz-tudo e pregador, não podiam ignorar o dom da música de Eunice, dado por Deus. Criados na igreja, retos e estreitos, seus pais lhe ensinaram o que é certo e errado, que se portam com dignidade e que trabalham duro. Ela tocava piano - mas não cantava - na igreja de sua mãe, exibindo talento notável no início de sua vida. Capaz de tocar praticamente qualquer coisa de ouvido, ela logo estudava música clássica com uma inglesa chamada Muriel Mazzanovich, que se mudara para a pequena cidade do sul. Foi a partir dessas raízes humildes que Eunice desenvolveu um amor ao longo da vida de Johann Sebastian Bach, Chopin, Brahms,Este site captura marcos em uma carreira que teve mais do que sua parcela de altos e baixos.Após graduar-se como oradora da sua turma do ensino médio, a comunidade arrecadou dinheiro para uma bolsa de estudo para Eunice estudar em Julliard, na cidade de Nova York, antes de se inscrever no prestigiado Curtis Institute of Music, na Filadélfia. Sua família já havia se mudado para a Cidade do Amor Fraterno, mas as esperanças de Eunice para uma carreira como uma pianista clássica afro-americana pioneira foram destruídas quando a escola negou sua admissão. Até o final, ela mesma afirmaria que o racismo era a razão pela qual ela não compareceu. Enquanto seu sonho original não foi realizado, Eunice acabou tendo uma incrível carreira mundial como Nina Simone - quase que por padrão.

Para sobreviver, ela começou a ensinar música para estudantes locais. Um dia fatídico em 1954, olhando para complementar sua renda, Eunice fez um teste para cantar no Midtown Bar & Grill na Pacific Avenue em Atlantic City, Nova Jersey. A notícia se espalhou sobre o novo cantor e pianista que estava mergulhando nos songbooks de Gershwin, Cole Porter, Richard Rodgers e afins, transformando as músicas populares do dia em uma síntese única de jazz, blues e música clássica. Seus ricos e profundos tons vocais aveludados, combinados com seu domínio do teclado, logo atraíram frequentadores de clubes da Costa Leste. A fim de esconder o fato de que ela estava cantando em bares, a mãe de Eunice se referia à prática como "trabalhar no fogo do inferno",

Na idade de vinte e quatro anos, Nina chamou a atenção da indústria fonográfica. Depois de apresentar uma demo de canções que gravou durante uma performance em New Hope, na Pensilvânia, ela foi assinada por Syd Nathan, dono da King Records (lar de James Brown), com sede em Ohio, em sua gravadora Jazz, Bethlehem Records. A turbulenta Nathan insistiu em escolher músicas para o seu set de estréia, mas depois cedeu e permitiu que Nina mergulhasse no repertório que ela vinha apresentando em clubes de todo o litoral leste. Uma das influências musicais declaradas de Nina foi Billie Holiday e sua inspirada leitura de “Porgy” (de “Porgy & Bess”) anunciou a chegada de um novo talento no cenário nacional. Na mesma sessão gigantesca de 13 horas em 1957, gravada em Nova York, Nina também gravou “My Baby Just Cares For Me", previamente gravado por Nate King Cole, Count Basie, e Woody Herman. A canção foi usada pela Chanel em um comercial de perfumes na Europa na década de 1980 e se tornou um enorme sucesso para Nina, uma topper britânica na 5ª posição, e, assim, um marco de seu repertório para o resto de sua carreira.

A permanência e Nina Simone na Bethlehem Records durou pouco e, em 1959, depois de se mudar para Nova York, ela assinou com Joyce Selznik, a caçadora de talentos do leste da Colpix Records, uma divisão da Columbia Pictures. Meses depois do lançamento de seu LP de estreia para a gravadora (The Amazing Nina Simone, de 1959), Nina estava se apresentando em seu primeiro grande local em Nova York, o Town Hall localizado em Manhattan. Sentindo que suas performances ao vivo capturariam a espontaneidade essencial de sua arte, Colpix optou por gravar seu programa de 12 de setembro de 1959. "You Can Have Him", uma tocha gloriosa anteriormente cortada por Peggy Lee e Ella Fitzgerald, foi um dos destaques da noite. A música abriu com um arpejo de teclado deslumbrante que se tornaria sua assinatura por décadas. Tão importante foi a apresentação da prefeitura que inspirou alguns dos mesmos músicos,

Como a reputação de Nina como uma artista envolvente ao vivo cresceu, não demorou muito para que ela fosse convidada para se apresentar no prestigiado Newport Jazz Festival. Acompanhado no show de 30 de junho de 1960 de Al Schackman, um guitarrista que viria a se tornar o mais antigo colega musical de Nina, o baixista Chris White, e o baterista Bobby Hamilton, o show dinâmico foi gravado pelo Colpix. O lançamento subsequente em 1961 do antigo blues “Trouble In Mind” como single deu a Nina seu terceiro disco.

Sua estada na Colpix resultou em álbuns maravilhosos - nove no total - incluindo a versão de Nina do clássico de blues de Bessie Smith, “Nobody Knows You When You Down and Out”. Em 1960, foi lançado como single em Nina Pop and R & B. hit e uma das duas faixas Colpix para conseguir tal feito durante seus cinco anos com o selo. Outras faixas destacadas daquela época foram a canção soul “Cotton Eyed Joe”, a tocha “The Other Women” e a versão folclórica norueguesa de “Black é a cor do cabelo do meu verdadeiro amor” - todos belos exemplos de Nina Simone em sua narrativa, pintando um quadro vívido com sua habilidade como intérprete lírica. Durante esse tempo com a gravadora, Nina gravou uma música de direitos civis, “Brown Baby”, de Oscar Brown Jr., que foi incluída em seu quinto álbum para o selo At The Village Gate.

"Os críticos começaram a falar sobre que tipo de música eu estava tocando", escreve Nina em sua autobiografia de 1991, "Eu coloquei um feitiço em você", e tentei encontrar um espaço para arquivá-lo. Foi difícil para eles porque eu estava tocando músicas populares em um estilo clássico com uma técnica de piano clássico influenciada pelo coquetel jazz. Além disso, incluí espirituais e músicas infantis em minhas apresentações, e esse tipo de música foi automaticamente identificado com o movimento popular. Então, dizer que tipo de música eu interpretei deu aos críticos problemas porque havia algo de tudo lá, mas também significava que eu era apreciado por todos os lados - pelos fãs de jazz, folk, pop e blues, além de admiradores da música clássica. Claramente, Nina Simone não era uma artista que pudesse ser facilmente classificada.

As gravações da Nina Colpix consolidaram seu apelo para uma platéia norte-americana baseada em boates. Depois de se mudar para a Phillips, uma divisão da holandesa Mercury Records, ela estava pronta para expandi-la globalmente. Seu primeiro LP para a gravadora, In Concert, de 1964, sinalizou a insuperável posição de Nina pela liberdade e justiça para todos, estampando-a irrevogavelmente como uma líder pioneira e inspiradora no movimento de direitos civis dos EUA. Seu próprio “Mississippi Goddam” original foi banido em todo o sul, mas tal resposta não fez diferença no compromisso inabalável de Nina com a liberdade; gravações inovadoras subsequentes para a Philips, como “Four Women” (gravado em setembro de 1965) e “Strange Fruit” continuaram a manter Nina na vanguarda dos poucos artistas dispostos a usar a música como veículo para comentários e mudanças sociais.

Durante anos, Nina sentiu que havia muito a respeito do modo como ela ganhava a vida, o que era menos atraente. Dá-se uma ideia disso na passagem seguinte de Eu Coloque um Feitiço em Você, onde ela explica sua relutância inicial em executar material ligado ao Movimento dos Direitos Civis.

“As boates estavam sujas, fazendo discos ficarem sujos, a música popular era suja e misturar tudo isso com a política parecia sem sentido e humilhante. E até que músicas como 'Mississippi Goddam' simplesmente explodiram de mim, eu também tive problemas musicais. Como você pode pegar a memória de um homem como o ativista dos direitos civis Medgar Evers e reduzir tudo o que ele estava a três minutos e meio e uma melodia simples? Esse foi o lado musical que eu evitava; Eu não gostava de 'música de protesto' porque muito disso era tão simples e sem imaginação que tirava a dignidade das pessoas que estava tentando celebrar. Mas o bombardeio na igreja do Alabama e o assassinato de Medgar Evers interromperam essa discussão e, com "Mississippi Goddam", percebi que não havia como voltar atrás.

Nina foi profundamente afetada por esses dois eventos. Em 1962, ela se tornou amiga da famosa dramaturga Lorraine Hansberry e falou com ela sobre o Movimento pelos Direitos Civis. Embora ela tenha ficado comovida com suas conversas com Hansberry, foi preciso matar Matgar Evers e as quatro garotas de Birmingham para atuar como catalisadoras de uma transformação na carreira de Nina.

Havia muitos lados para Nina Simone. Entre suas gravações mais surpreendentes estavam a versão original e com tanto soul “Não me deixe ser incompreendida” e “Eu coloquei um feitiço em você” (que chegou ao 23º lugar nas paradas dos EUA), drama misteriosamente sombrio e desenfreado. ao máximo; “Ne Me Quitte Pas” tenra, pungente, cheia de melancolia; e com um fervor semelhante ao do evangelho, o vodu hipnótico da “mulher que vê a linha”. De um modo incomparável, Nina também adorava se aventurar no lado mais terreno da vida. Depois que ela assinou com a RCA Records em 1967 (um contrato que o então marido / empresário Andy Stroud havia negociado), suas primeiras gravações para a gravadora incluíram o atrevido “Do I Move You?” E o inegavelmente sexual “I Want a Little Sugar In”. My Bowl ”, que eram do álbum conceitual intitulado Nina Sings The Blues. Apoiado por um elenco estelar de músicos da sessão da New York City, o álbum foi de longe a sessão de gravação mais baixa de Nina. Nina já havia se tornado central em um círculo de dramaturgos, poetas e escritores afro-americanos, todos centralizados no Harlem, junto com os já mencionados Lorraine Hansberry, James Baldwin e Langston Hughes. O resultado de um dos relacionamentos tornou-se um destaque do LP com a música “Backlash Blues”, uma canção que é originada do último poema que Langston Hughes enviou para publicação antes de sua morte em maio de 1967 e deu para Nina.

Nina’s seven years with RCA produced some remarkable recordings, ranging from two songs featured in the Broadway musical “Hair” (combined into a medley, “Ain’t Got No – I Got Life,” a #2 British hit in 1968) to a Simone-ified version of George Harrison’s “Here Comes The Sun,” which remained in Nina’s repertoire all the way through to her final performance in 2002. Along the way at RCA, songs penned by Bob Dylan (“Just Like A Woman”), the brothers Gibb (“To Love Somebody”), and Tina Turner (“Funkier Than A Mosquito’s Tweeter”) took pride of place alongside Nina’s own anthem of empowerment, the classic “To Be Young, Gifted, & Black,” a song written in memory of Nina’s good friend Lorraine Hansberry. The title of the song coming from a play Hansberry had been working on just prior to her death.

Depois que Nina deixou a RCA, ela passou boa parte da década de 1970 e início dos anos 1980 vivendo na Libéria, Barbados, Inglaterra, Bélgica, França, Suíça e Holanda. Em 1978, pela primeira vez desde que deixou a RCA, Nina foi convencida pelo veterano do jazz norte-americano Creed Taylor a fazer um álbum para sua gravadora CTI. Este seria seu primeiro novo álbum de estúdio em seis anos e ela gravou na Bélgica com cordas e vocais de fundo cortados em Nova York. Com o tipo de som “limpo” que era uma marca registrada das gravações CTI, o álbum de Nina Simone que surgiu foi simplesmente brilhante. A própria Nina alegaria mais tarde que odiava o disco, mas muitos fãs discordaram fortemente. Com uma seção de dezoito cordas conduzida por David Mathews (conhecido por seus arranjos nos discos de James Brown), os resultados foram espetaculares. A faixa título, O evocativo “Baltimore” de Randy Newman foi uma escolha inspirada de Nina Simone. Ele tinha uma batida de reggae lindamente construída e usou alguns dos melhores músicos que o produtor Creed Taylor conseguiu encontrar, incluindo o guitarrista e diretor musical de Nina, Al Schackman.

Além de Fodder On My Wings, de 1982, Nina gravou para a Carrere Records, dois álbuns que ela fez da gravadora independente VPI em Hollywood (Nina's Back e Live And Kickin ') em 1985, e um conjunto de 1987 da Live At Vine Street gravado para Verve, Nina. Simone não fez outro álbum até que o executivo da Elektra A & R, Michael Alago, persuadiu-a a gravar novamente. Depois de muito vinho e jantar, Nina finalmente assinou na linha pontilhada. A Elektra bateu o produtor Andre Fischer, o notável maestro Jeremy Lubbock e um trio de músicos respeitados para fornecer o ambiente adequado para essa leitura altamente pessoal de "Uma mulher solteira", que se tornou a peça central e título do álbum final de Nina Simone.

Com dois casamentos atrás dela em 1993, ela se estabeleceu em Carry-le-Rout, perto de Aix-en-Provence, no sul da França. Ela continuaria a turnê pela década de 1990 e se tornou muito 'a mulher solteira' que ela cantou em sua última gravação. Ela raramente viajava sem um séquito, mas se você tivesse a sorte de conhecer a mulher por trás da música, poderia vislumbrar a alma solitária que compreendia a dor de ser mal interpretada. Foi uma das muitas habilidades de Nina para compreender as qualidades agridoces da vida e depois transformá-las em uma música que a tornou uma pessoa tão duradoura e fascinante.

Em sua autobiografia, Nina Simone escreve que sua função como artista é “… fazer as pessoas se sentirem em um nível profundo. É difícil descrever porque não é algo que você possa analisar; para chegar perto do que é que você tem que jogar. E quando você pega, quando você tem o público enganchado, você sempre sabe porque é como a eletricidade pairando no ar. ” Foi essa mesma eletricidade que a tornou uma artista tão importante para tantos e será que eletricidade que continua a ligar novas pessoas em todo o mundo nos próximos anos.

Nina Simone morreu durante o sono em sua casa em Carry-le-Rout, Bouches-du-Rhone em 21 de abril de 2003. Seu funeral foi assistido por Miriam Makeba, Patti Labelle, a poeta Sonia Sanchez, o ator Ossie Davis e centenas de outras pessoas. . Elton John enviou um tributo floral com a mensagem:

"Você foi o maior e eu te amo".

FONTE:http://www.ninasimone.com/bio/ 
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