video e contador

counter free

Música do blog

sexta-feira, 25 de janeiro de 2019

U2


U2 é uma banda irlandesa de rock formada no ano de 1976. O grupo é composto por Bono (vocal e guitarra), The Edge (guitarra, teclado e backing vocal), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria e percussão). Inicialmente, o gosto musical possuía influências no gênero pós-punk, porém, eventualmente foram incorporando estilos mais genéricos. Ao longo das mudanças do grupo, eles sempre têm mantido um som construído sobre instrumentos melódicos, com destaque para as texturas e acordes do guitarrista de The Edge e dos vocais expressivos de Bono. Suas letras, muitas vezes embelezadas com imagens espirituais, têm foco em temas pessoais e preocupações sócio-políticas.


O U2 foi formado no Mount Temple Comprehensive School, quando os membros ainda eram adolescentes e com conhecimento musical limitado. Após quatro anos, eles assinaram com a gravadora Island Records e lançaram seu primeiro álbum, Boy (1980). Seu terceiro álbum, War (1983), rendeu-lhes o primeiro álbum a alcançar a posição de número 1, no Reino Unido. Hits como "Sunday Bloody Sunday" (1983) e "Pride (In the Name of Love)" (1984), ajudaram a estabelecer a reputação da banda como um grupo politicamente e socialmente consciente. Em meados da década de 1980, tornaram-se famosos por sua participação em concertos, destacando-se na atuação do Live Aid (1985). O quinto álbum de estúdio, The Joshua Tree (1987), tornou-os ícones globais, o que segundo a revista Rolling Stone, afirmou que "elevou-os a estatura de 'heróis à super-estrelas'"; sendo o maior feito comercial e crítico da história da banda irlandesa, alcançando o topo das paradas musicais em diversos países — incluindo a posição de número 1 na Billboard 200 e, na lista dos álbuns mais vendidos do mundo, com cerca de 25 milhões de cópias — produzindo singles como "With or Without You" e "I Still Haven't Found What I'm Looking For" – ambas nas posições de número 1 nos Estados Unidos, daquele ano.

Enfrentando a estagnação criativa após o lançamento do sexto álbum, Rattle and Hum (1988), lançando hits como "Desire" — obtendo Prémio Grammy para "Melhor Performance de Rock por um Grupo com Vocal" de 1989 — já na década de 1990, por fim decidiram reinventar-se sob um novo rumo musical e imagem pública, pois eram vistos como "sérios". Então, a partir do que chamam de "a segunda obra-prima do U2", lançaram do sétimo álbum, Achtung Baby (1991), vendendo 18 milhões de cópias e gerando hits como "One", juntamente com a turnê Zoo TV Tour (1992–93), caracterizada na época pela intensa multimídia; a banda integrou influências sonoras do rock alternativo, música eletrônica e industrial, abraçando uma imagem mais cômica e irreverente. Em meados da década de 1990, este experimento continuou através de seu oitavo álbum, Zooropa (1993) e nono álbum, Pop(1997), que foi apoiado pela turnê Popmart Tour (1997–98), obtendo sucessos mistos. Após não terem tido uma boa aprovação do nono álbum de estúdio, no início da década de 2000, conseguiram recuperar a aceitação do público e a boa imagem musical perante aos críticos musicais, após o lançamento do álbuns All That You Can't Leave Behind (2000) e How to Dismantle an Atomic Bomb(2004), estabelecendo um som mais convencional. Atualmente, a turnê U2 360° Tour (2009–11), lhes renderam a liderança do ranking de turnês musicais de maior bilheteria da história, arrecadando mais de 736 milhões de dólares. A partir da era Songs, Innocence (2014) e Experience (2017), caracterizaram-se pela forma de lançamento através das plataformas streaming, vindo a ter parceria com a Apple.

Atualmente, a banda lançou 14 álbuns de estúdio, encontrando-se entre os artistas recordistas de vendas, com mais de 175 milhões de álbuns vendidos mundialmente. Ganharam 22 Prêmios Grammy, mais do que qualquer outra banda. Em 2005 o grupo foi introduzido no Rock and Roll Hall of Fame. A revista Rolling Stone classificou-os na posição de número 22, na lista dos "100 Maiores Artistas de Todos os Tempos", classificando-o a "Maior Banda do Mundo". Por toda sua carreira, como banda e como indivíduos, fizeram campanhas pelos direitos humanos e causas filantrópicas, como a Anistia Internacional, ONE Campaign, Product Red, War Child e Music Rising.

FONTE:WIKIPÉDIA.
Leia Mais ››

quinta-feira, 24 de janeiro de 2019

NINA SIMONE


Ela foi uma das artistas mais extraordinárias do século XX, um ícone da música americana. Ela era a consumada contadora de histórias musical, uma griotque aprenderia, que usava seu notável talento para criar um legado de libertação, fortalecimento, paixão e amor através de um magnífico conjunto de obras. Ela ganhou o apelido de "Alta Sacerdotisa da Alma", pois ela poderia tecer um feitiço tão sedutor e hipnótico que o ouvinte perdeu a noção do tempo e do espaço à medida que eles se tornaram absorvidos no momento. Ela era quem o mundo viria a conhecer como Nina Simone.

Quando Nina Simone morreu em 21 de abril de 2003, ela deixou um tesouro intemporal de magia musical que durou quatro décadas desde seu primeiro sucesso, o clássico de 1959 do Top 10 “I Love You Porgy”, até “A Single Woman” do seu primeiro e único álbum Elektra de 1993. Enquanto trinta e três anos separam essas gravações, o elemento de emoção honesta é a cola que une os dois - é essa abordagem para cada trabalho que se tornou a marca musical intransigente de Nina.

No final de sua vida, Nina estava desfrutando de um grau de reconhecimento sem precedentes. Sua música foi apreciada pelas massas devido à revolução do CD, descoberta na Internet e exposição através de filmes e televisão. Nina vendeu mais de um milhão de CDs na última década de sua vida, fazendo dela um best-seller de catálogo global.

Nenhum site pode explorar completamente as muitas nuances e sabores que compunham os mais de 40 álbuns originais da biblioteca Nina Simone. Este site e a estação de rádio que o acompanha contêm muitos dos melhores trabalhos de Nina. No entanto, talvez não tivéssemos tido a chance de testemunhar a variedade impressionante de material que Nina poderia cobrir se não tivesse seguido o caminho que ela fez.

Nascida Eunice Kathleen Waymon em Tryon, Carolina do Norte, em 21 de fevereiro de 1933, o talento prodigioso de Nina como músico ficou evidente desde cedo, quando ela começou a tocar piano de ouvido aos três anos de idade. Sua mãe, uma ministra metodista, e seu pai, um faz-tudo e pregador, não podiam ignorar o dom da música de Eunice, dado por Deus. Criados na igreja, retos e estreitos, seus pais lhe ensinaram o que é certo e errado, que se portam com dignidade e que trabalham duro. Ela tocava piano - mas não cantava - na igreja de sua mãe, exibindo talento notável no início de sua vida. Capaz de tocar praticamente qualquer coisa de ouvido, ela logo estudava música clássica com uma inglesa chamada Muriel Mazzanovich, que se mudara para a pequena cidade do sul. Foi a partir dessas raízes humildes que Eunice desenvolveu um amor ao longo da vida de Johann Sebastian Bach, Chopin, Brahms,Este site captura marcos em uma carreira que teve mais do que sua parcela de altos e baixos.Após graduar-se como oradora da sua turma do ensino médio, a comunidade arrecadou dinheiro para uma bolsa de estudo para Eunice estudar em Julliard, na cidade de Nova York, antes de se inscrever no prestigiado Curtis Institute of Music, na Filadélfia. Sua família já havia se mudado para a Cidade do Amor Fraterno, mas as esperanças de Eunice para uma carreira como uma pianista clássica afro-americana pioneira foram destruídas quando a escola negou sua admissão. Até o final, ela mesma afirmaria que o racismo era a razão pela qual ela não compareceu. Enquanto seu sonho original não foi realizado, Eunice acabou tendo uma incrível carreira mundial como Nina Simone - quase que por padrão.

Para sobreviver, ela começou a ensinar música para estudantes locais. Um dia fatídico em 1954, olhando para complementar sua renda, Eunice fez um teste para cantar no Midtown Bar & Grill na Pacific Avenue em Atlantic City, Nova Jersey. A notícia se espalhou sobre o novo cantor e pianista que estava mergulhando nos songbooks de Gershwin, Cole Porter, Richard Rodgers e afins, transformando as músicas populares do dia em uma síntese única de jazz, blues e música clássica. Seus ricos e profundos tons vocais aveludados, combinados com seu domínio do teclado, logo atraíram frequentadores de clubes da Costa Leste. A fim de esconder o fato de que ela estava cantando em bares, a mãe de Eunice se referia à prática como "trabalhar no fogo do inferno",

Na idade de vinte e quatro anos, Nina chamou a atenção da indústria fonográfica. Depois de apresentar uma demo de canções que gravou durante uma performance em New Hope, na Pensilvânia, ela foi assinada por Syd Nathan, dono da King Records (lar de James Brown), com sede em Ohio, em sua gravadora Jazz, Bethlehem Records. A turbulenta Nathan insistiu em escolher músicas para o seu set de estréia, mas depois cedeu e permitiu que Nina mergulhasse no repertório que ela vinha apresentando em clubes de todo o litoral leste. Uma das influências musicais declaradas de Nina foi Billie Holiday e sua inspirada leitura de “Porgy” (de “Porgy & Bess”) anunciou a chegada de um novo talento no cenário nacional. Na mesma sessão gigantesca de 13 horas em 1957, gravada em Nova York, Nina também gravou “My Baby Just Cares For Me", previamente gravado por Nate King Cole, Count Basie, e Woody Herman. A canção foi usada pela Chanel em um comercial de perfumes na Europa na década de 1980 e se tornou um enorme sucesso para Nina, uma topper britânica na 5ª posição, e, assim, um marco de seu repertório para o resto de sua carreira.

A permanência e Nina Simone na Bethlehem Records durou pouco e, em 1959, depois de se mudar para Nova York, ela assinou com Joyce Selznik, a caçadora de talentos do leste da Colpix Records, uma divisão da Columbia Pictures. Meses depois do lançamento de seu LP de estreia para a gravadora (The Amazing Nina Simone, de 1959), Nina estava se apresentando em seu primeiro grande local em Nova York, o Town Hall localizado em Manhattan. Sentindo que suas performances ao vivo capturariam a espontaneidade essencial de sua arte, Colpix optou por gravar seu programa de 12 de setembro de 1959. "You Can Have Him", uma tocha gloriosa anteriormente cortada por Peggy Lee e Ella Fitzgerald, foi um dos destaques da noite. A música abriu com um arpejo de teclado deslumbrante que se tornaria sua assinatura por décadas. Tão importante foi a apresentação da prefeitura que inspirou alguns dos mesmos músicos,

Como a reputação de Nina como uma artista envolvente ao vivo cresceu, não demorou muito para que ela fosse convidada para se apresentar no prestigiado Newport Jazz Festival. Acompanhado no show de 30 de junho de 1960 de Al Schackman, um guitarrista que viria a se tornar o mais antigo colega musical de Nina, o baixista Chris White, e o baterista Bobby Hamilton, o show dinâmico foi gravado pelo Colpix. O lançamento subsequente em 1961 do antigo blues “Trouble In Mind” como single deu a Nina seu terceiro disco.

Sua estada na Colpix resultou em álbuns maravilhosos - nove no total - incluindo a versão de Nina do clássico de blues de Bessie Smith, “Nobody Knows You When You Down and Out”. Em 1960, foi lançado como single em Nina Pop and R & B. hit e uma das duas faixas Colpix para conseguir tal feito durante seus cinco anos com o selo. Outras faixas destacadas daquela época foram a canção soul “Cotton Eyed Joe”, a tocha “The Other Women” e a versão folclórica norueguesa de “Black é a cor do cabelo do meu verdadeiro amor” - todos belos exemplos de Nina Simone em sua narrativa, pintando um quadro vívido com sua habilidade como intérprete lírica. Durante esse tempo com a gravadora, Nina gravou uma música de direitos civis, “Brown Baby”, de Oscar Brown Jr., que foi incluída em seu quinto álbum para o selo At The Village Gate.

"Os críticos começaram a falar sobre que tipo de música eu estava tocando", escreve Nina em sua autobiografia de 1991, "Eu coloquei um feitiço em você", e tentei encontrar um espaço para arquivá-lo. Foi difícil para eles porque eu estava tocando músicas populares em um estilo clássico com uma técnica de piano clássico influenciada pelo coquetel jazz. Além disso, incluí espirituais e músicas infantis em minhas apresentações, e esse tipo de música foi automaticamente identificado com o movimento popular. Então, dizer que tipo de música eu interpretei deu aos críticos problemas porque havia algo de tudo lá, mas também significava que eu era apreciado por todos os lados - pelos fãs de jazz, folk, pop e blues, além de admiradores da música clássica. Claramente, Nina Simone não era uma artista que pudesse ser facilmente classificada.

As gravações da Nina Colpix consolidaram seu apelo para uma platéia norte-americana baseada em boates. Depois de se mudar para a Phillips, uma divisão da holandesa Mercury Records, ela estava pronta para expandi-la globalmente. Seu primeiro LP para a gravadora, In Concert, de 1964, sinalizou a insuperável posição de Nina pela liberdade e justiça para todos, estampando-a irrevogavelmente como uma líder pioneira e inspiradora no movimento de direitos civis dos EUA. Seu próprio “Mississippi Goddam” original foi banido em todo o sul, mas tal resposta não fez diferença no compromisso inabalável de Nina com a liberdade; gravações inovadoras subsequentes para a Philips, como “Four Women” (gravado em setembro de 1965) e “Strange Fruit” continuaram a manter Nina na vanguarda dos poucos artistas dispostos a usar a música como veículo para comentários e mudanças sociais.

Durante anos, Nina sentiu que havia muito a respeito do modo como ela ganhava a vida, o que era menos atraente. Dá-se uma ideia disso na passagem seguinte de Eu Coloque um Feitiço em Você, onde ela explica sua relutância inicial em executar material ligado ao Movimento dos Direitos Civis.

“As boates estavam sujas, fazendo discos ficarem sujos, a música popular era suja e misturar tudo isso com a política parecia sem sentido e humilhante. E até que músicas como 'Mississippi Goddam' simplesmente explodiram de mim, eu também tive problemas musicais. Como você pode pegar a memória de um homem como o ativista dos direitos civis Medgar Evers e reduzir tudo o que ele estava a três minutos e meio e uma melodia simples? Esse foi o lado musical que eu evitava; Eu não gostava de 'música de protesto' porque muito disso era tão simples e sem imaginação que tirava a dignidade das pessoas que estava tentando celebrar. Mas o bombardeio na igreja do Alabama e o assassinato de Medgar Evers interromperam essa discussão e, com "Mississippi Goddam", percebi que não havia como voltar atrás.

Nina foi profundamente afetada por esses dois eventos. Em 1962, ela se tornou amiga da famosa dramaturga Lorraine Hansberry e falou com ela sobre o Movimento pelos Direitos Civis. Embora ela tenha ficado comovida com suas conversas com Hansberry, foi preciso matar Matgar Evers e as quatro garotas de Birmingham para atuar como catalisadoras de uma transformação na carreira de Nina.

Havia muitos lados para Nina Simone. Entre suas gravações mais surpreendentes estavam a versão original e com tanto soul “Não me deixe ser incompreendida” e “Eu coloquei um feitiço em você” (que chegou ao 23º lugar nas paradas dos EUA), drama misteriosamente sombrio e desenfreado. ao máximo; “Ne Me Quitte Pas” tenra, pungente, cheia de melancolia; e com um fervor semelhante ao do evangelho, o vodu hipnótico da “mulher que vê a linha”. De um modo incomparável, Nina também adorava se aventurar no lado mais terreno da vida. Depois que ela assinou com a RCA Records em 1967 (um contrato que o então marido / empresário Andy Stroud havia negociado), suas primeiras gravações para a gravadora incluíram o atrevido “Do I Move You?” E o inegavelmente sexual “I Want a Little Sugar In”. My Bowl ”, que eram do álbum conceitual intitulado Nina Sings The Blues. Apoiado por um elenco estelar de músicos da sessão da New York City, o álbum foi de longe a sessão de gravação mais baixa de Nina. Nina já havia se tornado central em um círculo de dramaturgos, poetas e escritores afro-americanos, todos centralizados no Harlem, junto com os já mencionados Lorraine Hansberry, James Baldwin e Langston Hughes. O resultado de um dos relacionamentos tornou-se um destaque do LP com a música “Backlash Blues”, uma canção que é originada do último poema que Langston Hughes enviou para publicação antes de sua morte em maio de 1967 e deu para Nina.

Nina’s seven years with RCA produced some remarkable recordings, ranging from two songs featured in the Broadway musical “Hair” (combined into a medley, “Ain’t Got No – I Got Life,” a #2 British hit in 1968) to a Simone-ified version of George Harrison’s “Here Comes The Sun,” which remained in Nina’s repertoire all the way through to her final performance in 2002. Along the way at RCA, songs penned by Bob Dylan (“Just Like A Woman”), the brothers Gibb (“To Love Somebody”), and Tina Turner (“Funkier Than A Mosquito’s Tweeter”) took pride of place alongside Nina’s own anthem of empowerment, the classic “To Be Young, Gifted, & Black,” a song written in memory of Nina’s good friend Lorraine Hansberry. The title of the song coming from a play Hansberry had been working on just prior to her death.

Depois que Nina deixou a RCA, ela passou boa parte da década de 1970 e início dos anos 1980 vivendo na Libéria, Barbados, Inglaterra, Bélgica, França, Suíça e Holanda. Em 1978, pela primeira vez desde que deixou a RCA, Nina foi convencida pelo veterano do jazz norte-americano Creed Taylor a fazer um álbum para sua gravadora CTI. Este seria seu primeiro novo álbum de estúdio em seis anos e ela gravou na Bélgica com cordas e vocais de fundo cortados em Nova York. Com o tipo de som “limpo” que era uma marca registrada das gravações CTI, o álbum de Nina Simone que surgiu foi simplesmente brilhante. A própria Nina alegaria mais tarde que odiava o disco, mas muitos fãs discordaram fortemente. Com uma seção de dezoito cordas conduzida por David Mathews (conhecido por seus arranjos nos discos de James Brown), os resultados foram espetaculares. A faixa título, O evocativo “Baltimore” de Randy Newman foi uma escolha inspirada de Nina Simone. Ele tinha uma batida de reggae lindamente construída e usou alguns dos melhores músicos que o produtor Creed Taylor conseguiu encontrar, incluindo o guitarrista e diretor musical de Nina, Al Schackman.

Além de Fodder On My Wings, de 1982, Nina gravou para a Carrere Records, dois álbuns que ela fez da gravadora independente VPI em Hollywood (Nina's Back e Live And Kickin ') em 1985, e um conjunto de 1987 da Live At Vine Street gravado para Verve, Nina. Simone não fez outro álbum até que o executivo da Elektra A & R, Michael Alago, persuadiu-a a gravar novamente. Depois de muito vinho e jantar, Nina finalmente assinou na linha pontilhada. A Elektra bateu o produtor Andre Fischer, o notável maestro Jeremy Lubbock e um trio de músicos respeitados para fornecer o ambiente adequado para essa leitura altamente pessoal de "Uma mulher solteira", que se tornou a peça central e título do álbum final de Nina Simone.

Com dois casamentos atrás dela em 1993, ela se estabeleceu em Carry-le-Rout, perto de Aix-en-Provence, no sul da França. Ela continuaria a turnê pela década de 1990 e se tornou muito 'a mulher solteira' que ela cantou em sua última gravação. Ela raramente viajava sem um séquito, mas se você tivesse a sorte de conhecer a mulher por trás da música, poderia vislumbrar a alma solitária que compreendia a dor de ser mal interpretada. Foi uma das muitas habilidades de Nina para compreender as qualidades agridoces da vida e depois transformá-las em uma música que a tornou uma pessoa tão duradoura e fascinante.

Em sua autobiografia, Nina Simone escreve que sua função como artista é “… fazer as pessoas se sentirem em um nível profundo. É difícil descrever porque não é algo que você possa analisar; para chegar perto do que é que você tem que jogar. E quando você pega, quando você tem o público enganchado, você sempre sabe porque é como a eletricidade pairando no ar. ” Foi essa mesma eletricidade que a tornou uma artista tão importante para tantos e será que eletricidade que continua a ligar novas pessoas em todo o mundo nos próximos anos.

Nina Simone morreu durante o sono em sua casa em Carry-le-Rout, Bouches-du-Rhone em 21 de abril de 2003. Seu funeral foi assistido por Miriam Makeba, Patti Labelle, a poeta Sonia Sanchez, o ator Ossie Davis e centenas de outras pessoas. . Elton John enviou um tributo floral com a mensagem:

"Você foi o maior e eu te amo".

FONTE:http://www.ninasimone.com/bio/ 
Leia Mais ››

terça-feira, 22 de janeiro de 2019

HERON OBLIVION





Heron Oblivion é um super grupo americano de rock psicodélico que se apresentou pela primeira vez em abril de 2014, quando abriu para a War on Drugs .Seus membros, todos ativos no cenário do rock psicodélico em meados dos anos 2000, são: a cantora e baterista Meg Baird (ex- Espers ), o baixista Ethan Miller ( Comets on Fire e Howlin 'Rain ) o guitarrista Noel Von Harmonson (Comets on Fire) e o segundo guitarrista Charlie Saufley( Montar Head em Sunburst Sound ). A banda lançou seu primeiro álbum, que foi auto-intitulado, em 4 de março de 2016 pela Sub Pop Records.

Recepção crítica
Heron Oblivion recebeu críticas favoráveis ​​dos críticos: de acordo com Metacritic , o álbum tem uma pontuação de 80 em 100, indicando "revisões geralmente favoráveis". Aaron Leitko escreveu no Washington Post que o álbum "se move elegantemente entre os extremos - suave e alto, harmonia e dissonância".Escrevendo para a Pitchfork Media , Leitko deu ao álbum uma pontuação de 7.7 de 10 e descreveu suas músicas como "sombrias e sombrias, com momentos claros de catarse dirigido pelo solo de guitarra". Doug Mosurock escreveu para a NPR que o álbum "restaura tanto a austeridade quanto o excesso de bolhas na forma, Jefferson Airplane e os puristas que vieram depois ( grandes estrelas , Vermonster eo resto do elenco torcida Village, para começar, bem como Polvo e Sonic Youth , que cortaram suas próprias trilhas ao longo dos anos 80 e 90)."
Leia Mais ››

ELDER


Elder é uma banda de heavy metal de três partes de Boston , Massachusetts , formada pelo frontman Nick DiSalvo, o baterista Matt Couto e o baixista Jack Donovan (que substituiu o baixista fundador Chas Mitchell). Eles lançaram cinco álbuns completos desde 2006, além de demos, EPs e um álbum dividido com Queen Elephantine . DiSalvo afirmou que Color Haze e Dungen são "as bandas que realmente influenciaram a metodologia ou a filosofia por trás da nova direção de [Elder]"

FONTE: WIKIPÉDIA
Leia Mais ››

sexta-feira, 18 de janeiro de 2019

PARLIAMENT


Parliament era originalmente The Parliaments, um grupo vocal de doo-wop baseado em uma barbearia de Plainfield, Nova Jersey. O grupo foi formado no final da década de 1950 e incluiu George Clinton, Ray Davis, Fuzzy Haskins, Calvin Simon e Grady Thomas. Clinton era o líder e gerente do grupo. O grupo finalmente teve um hit single em 1967 com "(I Wanna) Testify" no Revilot Records. Para capitalizar, Clinton formou uma banda de apoio para uma turnê, com o participante do adolescente Billy Bass Nelson no baixo e seu amigo Eddie Hazel na guitarra elétrica, com a formação eventualmente completada por Tawl Ross na guitarra, Tiki Fulwood na bateriae Mickey Atkins no órgão. 

Durante uma disputa contratual com Revilot, Clinton perdeu temporariamente os direitos sobre o nome "The Parliaments" e assinou o conjunto para a Westbound Records como Funkadelic, que Clinton colocou como uma banda de funk rock com os cinco músicos de turnês com os cinco cantores do Parliaments como convidados não credenciados. Com Funkadelic como uma entidade de gravação e turnê por direito próprio, em 1970, Clinton relançou o grupo de cantores, agora conhecido como Parliament, em primeiro lugar com os mesmos dez membros. Clinton já era o líder de dois atos diferentes, o Parliament e o Funkadelic, que apresentavam os mesmos membros, mas foram comercializados como criando dois tipos diferentes de funk. 

O álbum do Parliament intitulado Osmium foi lançado no Invictus Records em 1970, e mais tarde foi reeditado em CD com faixas que não estavam no álbum como Rhenium e First Thangs. Osmium apresentou um som de soul essencialmente psicodélico que era mais parecido com os álbuns Funkadelic do período do que com os álbuns anteriores do Parliament. A música "The Breakdown" foi lançada separadamente como single e alcançou o número 30 nas paradas de R&B em 1971. Devido a problemas contratuais contínuos e ao facto de os lançamentos do Funkadelic terem sido mais bem sucedidos na época, Clinton abandonou o nome do Parliament até 1974. 

Após o Osmium, a programação do Parliament-Funkadelic começou por muitas mudanças e foi ampliada de forma significativa, com a adição de membros importantes como o tecladista Bernie Worrell em 1970, o cantor / guitarrista Garry Shider em 1971 e o baixista Bootsy Collins (ex-membro da The J.B.'s, banda de James Brown) em 1972. Dezenas de cantores e músicos contribuiriam para futuras versões do Parliament-Funkadelic. Clinton relançou o Parliament em 1974 e assinou com a Casablanca Records. O Parliament, agora aumentado pelo grupo de metais Horny Horns (que também integraram a banda de James Brown), foi posicionado como um conjunto de funk baseado em um R&B mais suave, com acordos de metais e vocal intrincados e como contraponto ao funk rock baseado em guitarra de Funkadelic. Neste ponto, o Parliament e o Funkadelic estavam viajando como uma entidade combinada conhecida como Parliament-Funkadelic ou simplesmente P-funk (que também se tornou o termo genérico para as múltiplas bandas no controle de George Clinton). 

O álbum Up for the Down Stroke foi lançado em 1974 e Chocolate City em 1975. Ambos tiveram um forte desempenho nas paradas Billboard R&B e foram moderadamente bem sucedidos nas paradas pop. O Parliament começou seu período de maior sucesso dominante com o conceito de álbum Mothership Connection (1975), cuja letra lançou grande parte da mitologia P-Funk. Os álbuns subsequentes The Clones of Dr. Funkenstein (1976), Funkentelechy vs. the Placebo Syndrome (1977), e Motor Booty Affair (1978) atingiram o máximo nas paradas R&B e Pop, enquanto o Funkadelic também estava tendo um grande sucesso. O Parliament teve singles em primeiro lugar em paradas R&B: "Flash Light" em 1977 e "Aqua Boogie" em 1978. 

O conjunto de músicos e cantores que se expandiram rapidamente na empresa Parliament-Funkadelic, bem como as práticas problemáticas de gerenciamento de Clinton, começaram a ter seu impacto no final da década de 1970. Os membros dos Parliaments originais, Fuzzy Haskins, Calvin Simon e Grady Thomas, que estiveram com Clinton desde os dias de barbearia no final da década de 1950, saíram acrimoniosamente em 1977, após disputas sobre a administração de Clinton. Outros membros importantes do grupo, como o cantor/guitarrista Glenn Goins e o baterista Jerome Brailey, deixaram o Parliament-Funkadelic em 1978 após disputas sobre a administração de Clinton. Dois outros álbuns do Parlaiment, Gloryhallastoopid (1979) e Trombipulation (1980) tiveram menos sucesso do que os álbuns do período 1975-1978 do grupo. 

No início da década de 1980, com dificuldades legais decorrentes dos múltiplos nomes usados por vários grupos, bem como a reestruturação da Casablanca Records, George Clinton dissolveu o Parliament e Funkadelic como entidades de gravação e turnê. No entanto, muitos dos músicos nas versões posteriores dos dois grupos permaneceram empregados por Clinton. Clinton continuou a lançar novos álbuns regularmente, às vezes sob seu próprio nome e às vezes sob o nome de George Clinton & the P-Funk All-Stars. O P-Funk All-Stars continuou a gravar e visitar as décadas de 1990 e 2000, e regularmente tocar músicas clássicas do Parliament. 

FONTE: WIKIPÉDIA 

Leia Mais ››

quarta-feira, 16 de janeiro de 2019

KROKUS



Desde 1975, a Krokus é sinônimo de power rock de alta qualidade, honesto e a mão. Nenhuma outra banda de rock suíça vende álbuns e seu catálogo de volta ao mundo, como Krokus. A banda já vendeu mais de 15 milhões de discos, excursionou pelo mundo e recebeu discos de ouro e platina nos EUA e no Canadá. Os marcos de sua carreira no rock estão espalhados pelo mundo: da Austrália e dos EUA ao México, Rússia, Japão e China. A Krokus foi a primeira banda suíça a vender o lendário Hallenstadion, em Zurique, e recebeu um Diamond Disc por vender um milhão de álbuns apenas na Suíça.


Em 1980, a banda começou a conquistar a América, o Canadá e a Inglaterra, consolidando rapidamente sua reputação como uma banda ao vivo forte e prática. Logo eles fizeram parte de turnês inesquecíveis e na mesma lista de bandas incríveis como AC / DC, Van Halen, Rush, Ted Nugent, Judas Priest, Motörhead e muitos, muitos mais. Estes eram tempos selvagens, cheios de grandes aventuras, que viram a banda não só ganhar ouro e platina nos EUA e no Canadá, mas também se tornarem cidadãos honorários de Memphis, Tennessee.

Mas nem tudo tem sido um longo tempo: a morte, a doença e o conflito interno levaram a banda à beira do colapso. A história de Krokus é diferente de qualquer outra. Está cheio de altos e baixos, concertos de estádio esgotados e shows de clubes suados. Esses cinco mosqueteiros do rock sobreviveram às tendências e sobreviveram a gerentes traiçoeiros dos EUA, divisões duras, acordos ruins, advogados obscuros, drogas, fast food horrível, viagens de ônibus intermináveis, discoteca, grotescas gravadoras e consultores de dupla negociação.

No decorrer de sua carreira lendária, Krokus já fez mais de 2.000 shows em cinco continentes, inúmeras cidades, locais únicos, shows malucos e fãs leais. Eles estarão de volta à estrada novamente em 2017, cruzando a Europa e os EUA.

Leia Mais ››

JACO PASTORIUS


Jaco Pastorius, o homem que revolucionou a forma como o baixo é tocado e que é, para muitos, o melhor e mais influente baixista de todos os tempos, não iniciou sua vida musical no instrumento. Em vez disso, o homem que seria o mestre do baixo elétrico fretless era um baterista.

Um baterista, assim como seu pai, Jack Pastorius, um jogador de big band e cantor. Jaco foi o primeiro dos três filhos de Jack e sua esposa, Stephanie. Ele chegou em 1 de dezembro de 1951 em Norristown, Pensilvânia, perto da Filadélfia. John Francis Anthony Pastorius III foi rapidamente dado um apelido por seus pais - "Jocko", que se transformou em "Jaco" no início dos anos 1970, quando um amigo músico francês e vizinho, Alex Darqui, soletrou dessa maneira por engano. Jaco gostou da grafia alternativa e a manteve.

Quando Jaco tinha quase oito anos de idade, sua família mudou-se para Oakland Park, Flórida, perto de Fort Lauderdale. Jaco era um garoto doce e competitivo, que adorava jogar, inclusive futebol. Como filho de um músico, ele também estava interessado em música e comprou uma pequena bateria com dinheiro ganho como entregador de jornal. Seus dois interesses colidiram em 1964 durante um treino de futebol juvenil em que o pulso de Jaco foi gravemente ferido, tanto que eventualmente exigiu uma cirurgia corretiva. Jaco continuou a tocar bateria depois disso, mas foi muito mais difícil do que ter sido antes desse sucesso na prática.

Jaco se torna um baixista

Independentemente disso, ele conseguiu shows como baterista e, em 1966, ainda no colegial, entrou para a banda de covers de soul, Las Olas Brass. Quando um baterista mais experiente se apresentou para a banda, algo fatídico aconteceu: o baixista da banda decidiu seguir em frente ao mesmo tempo. Embora ele não fosse um baixista, Jaco entrou na fenda vazia. Ele usou o dinheiro que ganhou como jornaleiro para fazer outra compra musical. Desta vez, ele comprou um novo baixo Fender Jazz.

Foi durante esta época que uma noção das futuras habilidades de Jaco começou a aparecer. Ele não sabia ler música, mas, em 1968, pegou emprestado o gravador de bobina de Bob Bobbing de seu amigo Bob Bobbing e criou sua versão de “The Chicken”, de Pee-Wee Ellis. Jaco tocou todos os instrumentos da gravação, que ele enviou para a viúva de John Coltrane, Alice, também um músico talentoso. Ela retribuiu o favor respondendo com uma carta encorajadora. Nos últimos anos, "The Chicken" tornou-se um dos principais temas do show de Jaco. Com o seu interesse pelo jazz, Jaco também adquiriu um contrabaixo. Mas, não foi fácil de manter e ele acabou trocando por outro baixo elétrico. Mais tarde, ele se tornaria conhecido por ter um tom ereto em seu elétrico sem trastes.

Algo mais aconteceu durante esse período de sua vida. Ele conheceu uma garota chamada Tracy Lee, que estava destinada a se tornar sua primeira esposa.

Depois do Las Olas Brass, Jaco passou a tocar em um trio de R & B chamado Woodchuck. Seu baixo tocando cresceu enquanto ele estava no trio. Seu irmão mais novo, Rory, lembra-se de uma conversa com Jaco, que estava se aproximando de seu aniversário de 18 anos, detalhado no livro de Bill Milkowski, Jaco: A Vida Extraordinária e Trágica de Jaco Pastorius. . "Ele me olhou nos olhos e disse sério: 'Rory, cara, eu sou o melhor baixista do mundo.' Eu olhei para ele e disse: 'Eu sei' ”.

Enquanto Jaco estava confiante, ele também poderia ser humilde. Em sua carreira posterior, ele era conhecido por dizer: “Estou fazendo uma imitação muito ruim do baixo de Jerry Jemmott. . . .

Durante seus dias de Woodchuck, Jaco também cresceu de outra maneira. Ele se tornou marido e pai. Ele e Tracy se casaram em agosto de 1970, e sua filha Mary nasceu em dezembro daquele ano, oito dias depois do aniversário de 19 anos de seu pai. Ele encontrou um navio de cruzeiro um pouco e sua jovem família viajou com ele no Caribe. Logo, outro grupo veio chamando - uma revista de soul chamada Tommy Strand & the Upper Hand. Seu desempenho melhorou ainda mais com o grupo, mas ele realmente entrou em um novo território com a próxima banda que ele se juntou: Wayne Cochran e o CC Riders.

Uma Educação Musical e Crescimento Redemoinho

Ele passou apenas cinco meses no grupo de R & B, liderado pelo cantor de soul branco Cochran, e como ele tinha no navio de cruzeiro, ele encontrou um caminho para Tracy e sua filha, Mary, viajar com ele às vezes. O casal não se entregou a nenhum comportamento selvagem no ônibus da turnê. Jaco não bebia nem usava drogas, e praticamente vivia com o baixo nas mãos. Ele aprendeu a ler música durante seu período de 1972 com o grupo. O membro da banda Charlie Brent também deu a Jaco um influente curso de arranjos. Brent se lembra de Jaco aparecendo com um gráfico para a banda, apenas três dias depois que ele e Brent tiveram uma longa conversa sobre arranjos. Era lindo, Brent disse. “Ele era esse talento bruto que evoluía diante dos nossos olhos.” (Milkowski, pg. 45). A longa revista de Cochran foi intensa,

Quando se desenvolveu como jogador, Jaco experimentou a criação de baixos sem fretless. No início dos anos 70, ele adquiriu um baixo Fender Jazz de 1962, que Jaco adquiriu já sem fretless ou do qual ele removeu os trastes com uma faca de manteiga (suas lembranças variaram ao longo dos anos). Jaco preencheu as áreas onde os trastes estavam com madeira de plástico e revestiu o antigo braço com epóxi. Esse baixo, que foi o principal instrumento sem trastes que ele gravou, e Jaco o apelidaram de Bass of Doom.

Depois que seu tempo com Cochran terminou, ele voltou para a Flórida. Ele tocou com a Peter Graves Orchestra, conectada com o saxofonista-trompetista Ira Sullivan e conheceu e tocou pela primeira vez o guitarrista de jazz Pat Metheny. Jaco começou a tocar um grupo de jazz com Sullivan, e o som do quarteto - jazz, mas com influências de funk e R & B - começou a atrair jovens fãs. Ele também forneceu uma saída para as composições de Jaco, várias das quais, como "Continuum", apareceram em seu primeiro álbum solo.

Em 1973, Jaco e Tracy acrescentaram outra criança à família - John Francis Pastorius IV, e naquele inverno Jaco se conectou com o pianista de jazz Paul Bley. No ano seguinte, Jaco entrou em um estúdio e fez uma sessão de demonstração com músicas que apareceriam em seu álbum solo auto-intitulado.

Jaco, Metheny, Bley e o baterista Bruce Ditmas criaram um álbum em conjunto, chamado Jaco, em 1974. E, durante uma viagem ao famoso Berklee College of Music, em Boston, Jaco mostrou aos alunos como ele conseguiu seu som no estilo elétrico. . Ele acabou ensinando o baixo como instrutor adjunto no departamento de jazz da Universidade de Miami, então dirigido por Bill Lee, pai de outro baixista famoso: Will Lee, mais conhecido do público geral por seu trabalho na TV tarde da noite. hospeda a banda da casa de David Letterman.

Mas Jaco não amava ensinar, e algo estava prestes a acontecer que mudou sua vida. Bobby Colomby, o baterista e líder do Blood, Sweat & Tears, estava em Fort Lauderdale para um show quando viu Tracy Pastorius na praia. Ele achou que ela era fofa e eles começaram a conversar. Ela disse a ele que seu marido “é o melhor baixista do mundo”. Colomby também estava procurando artistas para a divisão de jazz da Epic Records. Ele decidiu ver Jaco jogar. Depois de vê-lo em ação, ele rapidamente ofereceu a Jaco um contrato de gravação. Jaco assinou em setembro de 1975 e um mês depois, ele estava gravando Jaco Pastorius .

Leia Mais ››

segunda-feira, 14 de janeiro de 2019

BO CARTER


Armenter Chatmon (30 de junho, 1893-1821 setembro de 1964), conhecido como Bo Carter , foi um dos primeiros americanos azuis músico . Ele era um membro dos xeques do Mississippi em concertos e em algumas de suas gravações . Ele também gerenciou o grupo, que incluiu seus irmãos Lonnie Chatmon no violino e, ocasionalmente, Sam Chatmon no baixo e seu amigo Walter Vinson na guitarra e vocal principal .

Desde a década de 1960, Carter se tornou mais conhecido por suas canções obscenas , como "Let Me Roll Your Lemon", "Banana in Your Fruit Basket", "Pin in Your Cushion", "Your Biscuits Are Big Enough for Me", "Please Warm My Wiener" and "My Pencil Won't Write No More".  No entanto, sua produção não se limitou a blues sujos. Em 1928, ele gravou a versão original de " Corrine, Corrina ", que mais tarde se tornou um sucesso para Big Joe Turner e se tornou um padrão em vários gêneros musicais. 

Carter e seus irmãos (incluindo o pianista Harry Chatmon, que também fez gravações) primeiro aprenderam a música de seu pai, o violinista Henderson Chatmon, um ex-escravo, em sua casa em uma plantação entre Bolton e Edwards, Mississippi . Sua mãe, Eliza, também cantou e tocou violão .

Carter fez sua estréia na gravação em 1928, apoiando Alec Johnson, e logo gravava como músico solo . Ele se tornou um dos azuis dominantes gravação atos da década de 1930, registrando 110 lados. Ele também brincou com e gerenciou o grupo familiar, os xeques do Mississippi e vários outros atos na área. Ele e os xeques costumavam se apresentar para os brancos , tocando os sucessos pop do dia e a música de dança branca , assim como para os negros , tocando um repertório de bluesier. 

Carter ficou parcialmente cego durante os anos 1930.  Ele estabeleceu-se em Glen Allan, Mississippi , e apesar de seus problemas de visão fez alguma agricultura, mas também continuou a tocar música e se apresentar, às vezes com seus irmãos. Ele se mudou para Memphis, Tennessee , e trabalhou fora da indústria da música na década de 1940.

Carter sofreu derrames e morreu de uma hemorragia cerebral no Shelby County Hospital, em Memphis, em 21 de setembro de 1964.

Ele não é parente do ex-comissário-assistente da Southwest Conference e Big 12 Conference, Sam T. (Bo) Carter.
Leia Mais ››

sexta-feira, 11 de janeiro de 2019

OTIS RUSH




Otis Rush Jr., conhecido simplesmente por Otis Rush (Filadélfia, 29 de abril de 1934 - 29 de setembro de 2018) foi um cantor e guitarrista de blues estadunidense.

Considerado o 53º melhor guitarrista de todos os tempos pela revista norte-americana Rolling Stone,  Rush era canhoto e usava a guitarra para destros simplesmente virada ao contrário, sem trocar o encordoamento. Com isso, a corda mais fina (E) ficava em cima, e os bends tinham que ser realizados para baixo, contribuindo para seu som distinto. Outros guitarristas que utilizam o instrumento dessa maneira são Albert King, Dick Dale e Edgard Scandurra. Outra de suas características era quase sempre aparecer em público usando o seu indefectível chapéu de cowboy.

Inovador e inventor do estilo que ficou conhecido como "West Side Chicago Blues" - um blues ao mesmo tempo mais lírico e mais ritmicamente complexo - servindo de influência a guitarristas de renome, como Eric Clapton, Jimmy Page, Stevie Ray Vaughan, Johnny Winter e Duane Allman. Por conta disso, Otis figura no panteão do Blues, ao lado de nomes como Buddy Guy e Magic Sam.

Suas obras mais famosas são "All Your Love (I Miss Loving)", "I Can't Quit You Baby" - que mais tarde seria regravada pelo Led Zeppelin e também pelos Rolling Stones - e "Double Trouble", que foi homenageada pelo Stevie Ray Vaughan que assim nomeou sua banda.Ao longo de sua trajetória musical, recebeu 5 indicações ao Grammy Awards, tendo vencido em 1999 na categoria Melhor Álbum de Blues Tradicional com o álbum Any Place I'm Going.
Leia Mais ››

quinta-feira, 10 de janeiro de 2019

SCORPIONS




Passaram-se 50 anos desde os dias em que os jovens Klaus Meine, Rudolf Schenker e Matthias Jabs perambulavam pelas ruas de Hannover, que acabava de acordar da paralisia do pós-guerra, com um carrinho de mão carregando seus instrumentos e amplificadores. Nesses 50 anos, eles se tornaram a banda de rock mais bem sucedida da Alemanha, ou da Europa Continental, a prova viva de que não apenas a VW, a Mercedes ou a BMW podem competir internacionalmente, mas também o rock clássico feito na Alemanha. Inúmeras bandas, incluindo o Smashing Pumpkins e o Green Day, o Korn, o System Of A Down ou o Queensryche, tocaram músicas dos Scorpions ao longo dos anos. "Rock You Like A Hurricane" por conta própria foi coberto mais de 150 vezes por músicos diferentes.

Expressar uma carreira como a do Scorpions em simples números é quase impossível. No entanto, um número que ainda deve ser mencionado é mais de 100 milhões de registros vendidos até o momento. Isso faz dos Scorpions, de longe, a banda de rock de maior sucesso da Europa Continental.

Na Alemanha, os Scorpions venderam mais de um milhão de exemplares de “Crazy World” sozinho - e com isso, no gênero rock facilmente empatar com o Nirvana (Nevermind), o AC / DC (Back In Black) ou o Guns'N Roses ( Use sua ilusão. Eles merecidamente receberam platina dupla por ele em 1991. Como na Suíça e no Canadá também, a propósito. Além disso, “Sting In The Tail” (1991) e o single “Wind Of Change” (1991) foram premiados com platina na Alemanha. Aliás, este último foi o número 1 em sete países! O inventário completo de prêmios mundiais de ouro é simplesmente extenso demais para ser listado aqui.

No entanto, inúmeros prêmios de prata, ouro e platina são apenas um lado da história do Scorpions. Outro é o seu desejo inabalável de viajar. Nenhuma outra banda de rock de seu calibre, depois de tantos anos, chega ao palco com a mesma frequência que os nativos de Hannover. Eles tocaram milhares de shows em todos os cantos do planeta: no Rio de Janeiro, Tóquio, Moscou, Washington, Dubai, Paris ou Berlim.

Em 1988, eles foram a primeira banda de rock ocidental a tocar shows esgotados cinco dias seguidos na então ainda soviética Leningrado. Conquistas pioneiras em outros lugares também: através dos primeiros shows na China e no Sudeste Asiático, elas abriram portas para muitas outras bandas ocidentais.

Eles passaram a maior parte do tempo no Brasil em 1995, no lendário festival "Rock in Rio", quando outras bandas alemãs podiam, na melhor das hipóteses, sonhar com países estrangeiros. A performance está documentada no álbum ao vivo “World Wide Live”, que foi o último avanço da banda nos EUA, sempre consolidando sua reputação como uma das bandas mais quentes do planeta.

E então houve o festival “Moscow Music Peace” de 1989, onde os Scorpions conquistaram a Rússia, inspirando Klaus Meine a escrever a faixa que não mais tarde se tornou a música tema da queda final da Iron Curtain: “Wind of Change”.

Houve muitos momentos mágicos ao vivo; alguns deles são capturados em álbuns ao vivo, outros em gravações de filmes e vídeos. Estes são os momentos, que cimentaram a reputação dos Scorpions como uma das raras bandas que se elevam muito acima da multidão.

Leia Mais ››

quarta-feira, 9 de janeiro de 2019

BLACKFIELD


Existem alguns músicos que são tão irriquietos que apenas uma banda não é suficiente para expressar tudo o que eles têm vontade. Temos vários exemplos disso, mas hoje é dia de falar de Steven Wilson. Mais conhecido como o líder e cérebro do Porcupine Tree, ele possui vários outros projetos interessantes fora da banda. De uns tempos para cá ele também ataca como produtor tendo trabalhando, por exemplo, em alguns discos do Opeth.
O Blackfield é um desses vários projetos que ele trabalhou fora do Porcupine Tree: outros exemplos são o No-Man, o I.E.M. (Incredible Expanding Mindfuck) e o Storm Corrosion. Tudo aconteceu quando o israelense Aviv Geffen ajudou a levar o Porcupine Tree para alguns shows em Israel. Aviv também tem uma carreira bem movimentada em seu país de origem sendo músico, produtor de discos e produtos de shows. No encontro dos dois, durante uma folga entre os shows, começaram a fazer algumas jams em um estúdio de lá. Mesmo com o pouco tempo algumas idéias foram surgindo junto com uma bela e produtiva amizade. Aviv participou fazendo alguns backing vocals e tocando piano e teclados em quase todas as músicas do excelente álbum Absentia (2002) do Porcupine Tree.


Porém aquelas idéias surgidas em Israel nunca foram esquecidas. Assim os dois resolveram que lançariam um EP com quatro músicas, mas após apresentarem suas idéias para a gravadora, e obtendo uma boa repercussão, foi solicitado que um full-lenght fosse feito. A distância entre os Estados Unidos e Israel e a agenda apertada dos dois atrapalharam um pouco os planos, mas no início de 2004 o álbum auto-intitulado estava nas lojas.


Para tentar resumir qual o estilo de som do Blackfield eu tento fazer um parâmetro com as músicas mais melódicas do Porcupine Tree mais umas pitadas pop de bandas da brit pop, principalmente as que se assemelham ao Radiohead. Steven comenta que a banda segue a tradição pop de estrofe/refrão/estrofe/refrão e o que chama atenção logo de cara é que as músicas são muito mais curtas se comparadas com a sua banda principal.


O álbum abre com um dos destaques do disco, “Open Mind”, com uma bela linha de voz feita em dueto por Wilson e Aviv sobre um dedilhado suave ao fundo. Destaque para o riff cadenciado nos finais das estrofes. É seguida pela viciante “Blackfield”, uma balada com Wilson brincando com os sons das palavras. Não consigo deixar de ouvir essa música pelo menos duas vezes quando coloco esse álbum para tocar. Mas o que faz a música ser o que é são os teclados com camadas que se sobrepõe aos outros instrumentos.


Apenas alguns poucos solos e riffs principais tem o peso de uma guitarra distorcida durante todo o álbum. Creio que a idéia tenha sido essa mesma. Focar nas melodias vocais e climas feitos pelos instrumentos. Wilson toca sua guitarra limpa e Aviv muitas vezes só usa o violão, como podemos ver no DVD lançado em 2009. Wilson e Aviv se revezam na função de cantor principal nas canções, mas muitas vezes cantam junto e suas vozes tem timbres que se encaixam perfeitamente. Mal comparando, mas já comparando me lembra o que Gilmor e Wright faziam no Pink Floyd.


“Glow” é a faixa que mais mostra aquela cara de brit pop que falei antes, principalmente pela mensão ao Radiohead. Outra que lembra Radiohead é “Scars”, principalmente pela bateria no início acompanhada de dedilhados de guitarra. Seu refrão também vai marcar bastante a audição de quem for atrás do disco.

A voz de Aviv aparece bem em “Lullaby”. Uma canção que inicia ao estilo piano voz, mas com teclados de fundo que fazem toda a diferença. Nessa hora que percebo que esqueci completamente de dizer o nome dos outros músicos, principalmente o de Daniel Salomon (também conhecido como דניאל סולומון. Ficou muito melhor Daniel, não?). Completava a banda na época Seffy Efrati no baixo e Chris Maitland na bateria. Alguns teclados também foram gravados pela dupla fundadora da banda.

Outro destaque vai para “Pain” também com um bom refrão e que é seguida por “Summer” com uma bela melodia e alguns efeitos nas vozes que dão uma cara toda especial à faixa. Finalmente temos a densa e melancólica “Cloudy Now”, que é certamente o maior destaque do álbum. É feita basicamente com violão e voz, mas os mais atentos vão perceber que os teclados no fundo e a guitarra com notas soltas é que dão o charme à música. Essas adições de teclado e guitarra foram muito usadas pelo Pink Floyd (eles de novo!). Já no seu fim a faixa atinge seu clímax com a adição de peso e distorção tanto na guitarra quanto na voz. Porém esse clímax é também o fim da canção. Nessa hora pensamos que essa história de músicas curtas as vezes atrapalham. Imaginem se eles desenvolvessem ainda mais essa faixa!!!

Já na parte final do álbum ainda temos “Hello” e “Where is My Love”, baladas que teriam um ótimo potencial radiofônico e poderiam virar hit em qualquer lugar. Essa última aparece apenas na edição com bonus track que também tem "Cloudy Now" em uma versão ao vivo.

O Blackfield ainda lançou em 2007 Blackfield II, em 2009 o bom ao vivo NYC (que também saiu em CD e já foi citado acima) e no ano passadoWelcome to my DNA. Todos eles trabalhos de alto nível desse projeto que é certamente o melhor trabalho de Steven Wilson fora do Porcupine Tree.


"A maneira perfeita de se expressar com facilidade é através da música. Nossos sentimentos mudam na maioria dos casos de raiva, amor, paixão e alegria. Podemos nos sentir fracos ou mesmo com medo de expressar o que sentimos pelos outros ou sobre uma determinada ocorrência, mas quando resolvemos a música, tudo fica claro e firme. A música também tem um efeito terapêutico em nossas vidas. Lembra quando você estava doente ou cuidando de um paciente e o médico liga uma música baixa e suave? O sentimento foi inspirador, certo?"

FONTE:https://www.blackfield.org/about-the-band/
             http://consultoriadorock.blogspot.com/2012/10/blackfield-blackfield-2004.html
Leia Mais ››

sábado, 5 de janeiro de 2019

FRANK SINATRA


O inesquecível cantor e ator norte-americano Francis Albert Sinatra nasceu na cidade de Hoboken, em Nova Jérsei, no dia 12 de dezembro de 1915, único filho de um casal de imigrantes italianos. Sem jamais ter estudado música formalmente, ele deixou o último ano no curso secundário para seguir a carreira musical.
Frank principiou sua trajetória neste campo como cantor em clubes de seu estado natal e marcando presença constante em diversas estações de rádio. Em 1938 ele venceu um concurso radiofônico e transformou-se imediatamente em mestre de cerimônias de um clube conhecido como The Rustic Cabin.

Não tardou para que ele fosse publicamente revelado e então convidado para se tornar um membro do conjunto de Harry James e, posteriormente, o crooner da então célebre orquestra de Tommy Dorsey. Seu estilo era completamente informal, mas ao mesmo tempo muito requintado. Sua vocação para emitir notas longas e fluidas, sem mesmo parar para respirar, impressionava a todos e contribuiu para que ele se tornasse um sucesso imediato em todo o mundo.

Como ator de cinema ele não foi menos famoso, e conta em seu currículo com mais de cinquenta produções, entre elas A um passo da eternidade, de 1953, que lhe rendeu um Oscar; High Society, de 1956; Sob o domínio do mal, de 1962; A Sombra de um gigante, de 1966, entre outras. Entre os anos 50 e os 60 ele integrou uma comunidade artística conhecida como Rat Pack, composta por artistas que estavam sempre atuantes em seu campo de ação.


Na TV Sinatra manteve ao longo de diversos anos um show televisivo próprio. Na década de 90 ele levou adiante sua carreira, investindo em shows e gravações, no lançamento de diversos duetos, os quais eram transmitidos através dos melhores recursos tecnológicos da época.

Entre seus hits musicais estão clássicos como: Fly me to the moon, My Way, New York, New York, entre outros. Sinatra tinha um carinho especial pela bossa nova e admirava profundamente o maestro Tom Jobim. Ao seu lado ele cantou a eterna Garota de Ipanema, parceria que seria imortalizada.

Frank foi casado com Nancy Barbato e depois com as divas cinematográficas Ava Gardner e Mia Farrow. Mais tarde ele se uniu à dama da sociedade Barbara Marx, ao lado de quem permaneceu até o fim de sua existência. De seus casamentos restaram três filhos, Nancy, Tina e Frank Sinatra Jr.

O famoso cantor e ator teve também uma intensa participação política em seu país, especialmente na campanha de Franklin Delano Roosevelt para ocupar a Casa Branca. No início da década de 50 ele se viu de repente acusado de integrar a máfia e de ter uma secreta participação no crime organizado.

‘A Voz’, como é conhecido, por sua modulação aveludada, nunca deixou de vender seus discos, nem em meio às mais intrincadas polêmicas e escândalos. Duas estrelas na Calçada da Fama reafirmam sua popularidade tanto na carreira musical quanto nas telas da TV e do cinema. Aos 80 anos, em 1995, ele finalmente decidiu se aposentar como cantor. Três anos mais tarde ele morreu, em Los Angeles, vítima de um ataque cardíaco.

Leia Mais ››

JOHN COLTRANE


John Coltrane partiu desse plano mortal há mais de cinquenta anos; hoje ele permanece entre nós, mais vivo do que nunca. Seu som continua a agarrar os ouvidos de um círculo cada vez maior de fãs. Sua lenda é sólida como pedra: plantada firmemente em nossa cultura como a de qualquer gigante musical do século XX. Seu som de saxofone - pensativo, pesquisando, sombrio - ainda é um dos mais reconhecidos no jazz moderno. Sua influência se estende por estilos e gêneros e transcende as fronteiras culturais. O ideal moderno de música que serve um propósito profundamente espiritual e conectivo? Uma faceta definidora de John Coltrane.

Para Coltrane, um músico era um doador de mensagens; fazer música era um esforço ligado a um bem maior e maior. “Eu humildemente pedi para ser dado os meios e privilégios para fazer outros felizes através da música”, escreveu Coltrane em 1964 em uma carta para seus ouvintes, contando sobre uma oração a Deus. Em 1966, menos de um ano antes de sua morte, ele declarou:


“Eu sei que existem forças ruins, forças que trazem sofrimento aos outros e miséria para o mundo. Eu quero ser a força oposta. Eu quero ser a força que é verdadeiramente para o bem. "

Coltrane alcançou seu objetivo como um tocador de jazz que trabalha duro, saindo de uma orgulhosa tradição musical enraizada, pagando suas dívidas como um sideman, aprendendo as cordas como líder, trabalhando com música basicamente sem palavras para transmitir sua mensagem. Ele lançou vinte e cinco álbuns como líder durante sua vida, alguns alcançando o status clássico de cinco estrelas: Blue Train , Giant Steps , Minhas Coisas Favoritas , seu indicado ao Grammy, “oferenda humilde” a Deus, A Love Supreme . Um após o outro, de 1957 a 1967, sua música definiu um caminho de crescimento rápido e taxa de mudança vertiginosa. Que Coltrane realizou tudo o que fez em apenas dez anos, pelo menos em parte pela devoção santa que recebe com frequência.

O jornalista de jazz Nat Hentoff, que entrevistou e defendeu Coltrane, elogiou-o com mais seriedade.

“No momento em que A Love Supreme o atingiu, Trane atingiu um acorde tão espiritual em tantos ouvintes que as pessoas começaram a pensar nele como estando além do humano. Eu acho isso injusto. Ele era apenas um ser humano como você e eu - mas ele estava disposto a praticar mais, a fazer todas as coisas que alguém tem que fazer para se destacar. O valor real do que John Coltrane fez foi o que ele realizou, como homem. ”

Certos aspectos dos humildes começos de Coltrane apontam para o que ele se tornaria. Nascer em 1926 na pequena cidade da Carolina do Norte - especificamente em Hamlet e mais tarde em High Point - ajuda a explicar sua predileção pelo blues. Sua afinidade por um sentimento distinto e evangélico - canções meditativas, semelhantes a orações e o tom de pregador em seu saxofone - pode ser parcialmente creditado a ser criado em uma família religiosa. Seu pai pregou e seu avô era um líder comunitário e ministro. Em 1938, ambos morreram repentinamente, depois a avó de Coltrane e uma tia - todos a alguns meses um do outro. O próprio Coltrane mal tinha doze anos. A família foi devastada, emocional e economicamente. Tendo acabado de tomar o clarinete, a música se tornou uma espécie de salvação para Coltrane.

O tempo tinha muito a ver com a criação da base musical de Coltrane também. Nascer em 26 significava que, na adolescência, ele ouvia músicas populares e arranjos sofisticados no auge da era da big band. Ao aproximar-se da idade adulta em meados dos anos 40, o bebop do saxofonista alto Charlie Parker e o trompetista Dizzy Gillespie agarraram os ouvidos de sua geração. Johnny Hodges, o saxofonista alto de longa data da famosa orquestra de Duke Ellington; e Dexter Gordon, o bebopper de primeira geração que tocava sax tenor, eram dois dos primeiros heróis de Coltrane.

O Bebop era uma linguagem nova e empolgante que surgia com uma liberdade fresca e rítmica e expandia a largura de banda harmônica da música - exigindo uma familiaridade sob o capô com a mecânica da música. Coltrane, já um autodidata, foi fisgado, intelectualmente e emocionalmente.
Coltrane mudou-se para a Filadélfia em 1943, seguindo outros membros da família, e imediatamente se lançou na cena musical local, conhecendo outros jovens jogadores focados no bebop, como os saxofonistas Jimmy Heath e Benny Golson. Um período na Marinha nos últimos dias da Segunda Guerra Mundial deu a ele a chance de usar o GI Bill para ter aulas de música após sua alta, e se dedicar à música como profissão.

A Filadélfia apresentou uma das comunidades afro-americanas mais desenvolvidas e vibrantes nos anos pós-Segunda Guerra Mundial. As partes negras da cidade estavam cheias de bares, clubes e teatros, todos exigindo música ao vivo de todos os estilos. Apesar de sua dedicação ao bebop, Coltrane se tornou um músico viajante no circuito, tocando saxofone alto e tocando o que o show exigisse.

O aprendizado de Coltrane ocorreu de 1946 a 1955. Ele era um corno de aluguel, soprando blues na frente de pequenos grupos, apoiando vários cantores de jazz e R & B, aumentando o número de bandas de saxofone em várias bandas. . Ele subiu na hierarquia, de grupos locais (big band de Jimmy Heath para um; Hi-Tones de Bill Carney, um pequeno grupo de R & B, para outro) para grupos nacionais no início dos anos 50 - como grandes bandas lideradas pelos saxofonistas Johnny Hodges. e Earl Bostic e Dizzy Gillespie, este último exigindo que ele mude de alto para saxofone tenor. Coltrane seguiu ordens e seu desenvolvimento continuou.

Foi durante essa interminável sucessão de shows e viagens quando Coltrane tentou narcóticos pela primeira vez; em 1951, como muitos de seus colegas, ele adquiriu um hábito de heroína que permaneceria com ele por seis anos.

Coltrane tocava no grupo do organista Jimmy Smith no final do verão de 1955, quando um telefonema veio de Nova York para um teste para a banda do trompetista Miles Davis. Apesar da incerteza inicial de Coltrane - “Tenho muita vergonha dos primeiros discos que fiz com Miles. Por que ele me escolheu, eu não sei ”, ele disse mais tarde - Miles gostou do que ouviu. "Depois que começamos a tocar juntos por um tempo, eu sabia que esse cara era um filho da puta ruim", escreveu Davis em sua autobiografia. “[Ele] era apenas a voz que eu precisava no tenor para disparar minha voz.”

Os quatro anos que Coltrane passou no grupo de Davis - de 1955 a 59 - catapultaram o saxofonista desconhecido da obscuridade local para a fama nacional. Sob os holofotes que surgiram ao jogar ao lado de Davis, Coltrane evoluiu do que muitos ouviram como insegurança vacilante para uma confiança ousada e de acaso. Fiel às palavras de Miles, a intensidade e a densidade do saxofone de Coltrane eram um efeito eficaz para a melancolia contida de Davis no trompete. Eles nasceram no mesmo ano e cresceram para serem tão diferentes em temperamento. No entanto, eles eram, no fundo, iguais em sua obsessão com o funcionamento interno da teoria musical e em sua necessidade de desafio musical e surpresa.

Davis forneceu a Coltrane uma liberdade ilimitada de instrução para explorar e encontrar sua própria voz; Coltrane se referiu a ele como "professor". Salvo por nove meses em 1957, quando o trompetista o demitiu sem cerimônia devido ao seu uso de heroína impedindo sua aparência e desempenho - após o qual Coltrane expôs seu hábito frio - seu relacionamento continua sendo um dos mais frutíferos e significativos da história do jazz.

1957, na verdade, foi o ano em que Coltrane realmente se tornou Coltrane. Durante esse período de doze meses, sua compulsão a praticar incessantemente levou à primeira fase de seu estilo de assinatura: passar por mudanças, tocar e repetir padrões escalares, uma enxurrada de harmonias que o crítico Ira Gitler chamou de “folhas de som”. limpo e de volta à cena como um freelancer, a natureza viciada em trabalho de Coltrane o impulsionou para o estúdio - como ator em muitas faixas, gravando sua estréia como líder ( Coltrane on Prestige), e o primeiro álbum a revelar seus dons como compositor ( Blue Treinar na Nota Azul).



Nenhum evento em 1957 mostrou-se mais duradouro para Coltrane do que sua colaboração de verão com o pianista e compositor Thelonious Monk, da qual Coltrane disse:
"Eu aprendi com ele em todos os sentidos - através dos sentidos, teoricamente, tecnicamente."

A tutela de Monk - mais direta e paciente que Miles - ajudou-o a captar música crivada de estranhos pulos melódicos e rupturas rítmicas, e apelou com sua própria lógica. Quando Coltrane retornou ao grupo de Miles no final daquele ano, o trompetista estava a caminho de desenvolver um novo vocabulário.

O momento não poderia ter sido melhor. A mudança de Miles de formas de músicas tradicionais baseadas em acordes para estruturas modais mais abertas proporcionou um frescor necessário que ajudou os improvisadores a evitar os mesmos velhos clichês do bebop. Este “jazz modal” foi a ideia fundamental para o que ainda é o álbum mais famoso de Miles, 1959's Kind of Blue. Para Coltrane, era como despejar alta octanagem em um motor turbo. Libertado dos caminhos meticulosos da música de Monk, mergulhou com entusiasmo nas liberdades harmônicas que o jazz modal oferecia, absorvendo e depois desenvolvendo as mesmas idéias em seus próprios grupos inovadores da década de 1960.


"A música de Miles me deu muita liberdade", disse ele. "É uma abordagem bonita ... achei fácil aplicar idéias harmônicas que tive."

No final de 1959, Coltrane tinha 33 anos. Enquanto Miles tentava mantê-lo em seu grupo, estava claro que ele estava louco para seguir seu próprio caminho. Ele começou a tocar com suas próprias bandas e continuou escrevendo material. Ele tinha um agente de reservas e um advogado, ambos recomendados por Miles, o último que o ajudou a fundar sua própria editora musical (Jowcol Music) e saltar de seu Prestige para um contrato mais lucrativo com a Atlantic Records, uma gravadora conhecida por seus sucessos de R & B quanto a lançar discos de jazz.

De 1959 a '61 marca o período atlântico de Coltrane, durante o qual ele gravou um de seus álbuns mais importantes - Giant Steps- com músicas intemporais como “Naima”, “Cousin Mary” e a faixa-título; coletivamente, eles serviram como uma despedida magistral das mudanças de acordes labirínticas do mundo do bebop. Ele começou a se concentrar mais na influência altamente emotiva e melódica do jazz de vanguarda da época, inspirada em grande parte pela música de Ornette Coleman - o saxofonista nascido no Texas que transformou o mundo do jazz em seu ouvido ao chegar em Londres. Nova York em 1959.

Coltrane visitou e de fato recebeu instrução de Coleman;

"Ele estava interessado em tocar não-cordal e eu tinha cortado meus dentes nessas coisas", relatou Coleman anos depois. "Ele depois me enviou uma carta que incluía trinta dólares para cada lição. . "

Em seu último ano com o Atlantic, Coltrane acrescentou o saxofone soprano ao seu repertório e o pianista McCoy Tyner à sua banda. A confluência dos dois levou-o a gravar o show da Broadway em tempo de valsa “My Favorite Things” (do musical The Sound Of Music ) como uma peça modal com sabor de raga ; a improvável releitura tornou-se um sucesso de rádio e seu maior sucesso comercial.

No final de 1961, Coltrane conseguiu aumentar, assinando com a Impulse Records - a marca do jazz dentro da gravadora major ABC-Paramount Records. Foi com o Impulse - de 61 até sua morte em julho de 1967 - que Coltrane alcançaria seu mais alto padrão de carreira e revelaria toda a gama de seus projetos: primeiro com seu quinteto que contava com o saxofonista / flautista Eric Dolphy, então seu chamado “Quarteto Clássico” (com Tyner, baterista Elvin Jones e baixista Jimmy Garrison), vários esforços de big band ( Africa / Brass , Ascension ) e finalmente o quinteto que incluía Garrison, sua esposa, a pianista Alice Coltrane, o saxofonista Pharoah Sanders e baterista Rashied Ali.

As gravações Impulse de Coltrane, de 1961 até a maior parte de 1964, mostram-no com um pé no mundo do jazz mais tradicional, tocando standards ( Ballads ) e colaborando com os gostos do lendário Duke Ellington e do vocalista Johnny Hartman, enquanto o outro pé descansava território mais vanguardista. Sua agenda de lançamentos balanceava gravações animadas ao vivo ( Live! No Village Vanguard , Live at Birdland , algumas faixas no Impressions ) com gravações de estúdio compartilhando um lado mais suave e mais meditativo em sua composição (outras faixas em Impressions , Coltrane , Crescent). No início dos anos 60, Coltrane era um clube noturno e headliner de festivais, uma força em termos de vendas de discos e recibos de bilheteria, e uma grande influência em muitos de seus colegas - seus álbuns eram necessários para ouvir jazz, R & B e rock. jogadores igualmente.

Coltrane gravou A Love Supreme no final de 64, chamando-a de sua "tentativa de dizer 'OBRIGADO a DEUS' através de nosso trabalho" - uma oferta musical em gratidão por seu despertar espiritual em 1957, o ano em que ele se livrou de seu hábito de drogas. Era uma suíte de quatro partes, a primeira de uma série de obras maiores que mantinham uma maior intenção e foco. Ele foi cuidadosamente composto e planejado em setembro de 1964, logo após o nascimento de seu primeiro filho, John Jr., com sua nova esposa, a nascida em Detroit, Alice Coltrane, nascida no bebop - McLeod.

O relacionamento deles provaria ser um dos casais mais prodigiosos e prolíficos entre marido e mulher do mundo do jazz. A influência musical e espiritual de John em Alice iria redirecionar sua vida e carreira. Depois de sua morte, ela transmitiu sua música e mensagem universalista à sua maneira, fundindo jazz moderno, ragas indianas e canções devocionais védicas em dezoito álbuns muito especiais, e finalmente colocou sua carreira de lado para estabelecer e liderar um ashram de seguidores espirituais em Sul da Califórnia.

A Love Supreme foi atípico para uma gravação de jazz de várias maneiras. istoincluiu a voz de Coltrane, cantando o título do álbum. A capa do álbum apresentava uma carta para o ouvinte e um poema, ambos escritos por Coltrane e ambos defendendo uma espiritualidade universalista, e abordando seu papel como músico. Quando foi lançado no começo de 1965, rapidamente se tornou o álbum mais conhecido de Coltrane, um tipo de autorretrato musical que lhe rendeu duas indicações ao Grammy, introdução ao Hall of Fame da revista Downbeat e uma nova geração de fãs - muitos dos quais também olhando para caminhos espirituais alternativos. Algumas semanas antes de Coltrane compor A Love Supreme , o escritor de jazz Leonard Feather observou que seus “seguidores mais dedicados são jovens ouvintes” e perguntou como eles poderiam apreciar a música que “exige conhecimento técnico e atenção intensa”.

"Enquanto houver algum sentimento de comunicação, não é necessário que seja entendido", respondeu Coltrane. “Afinal de contas, eu costumava amar a música antes mesmo de poder identificar um sétimo acorde de sol menor… eventualmente os ouvintes se movem junto com os músicos.”

Coltrane testou essa obviedade em 1965, quando suas explorações musicais - convidar outros músicos para sua banda, escrever músicas cada vez mais discordantes, densas e multi-rítmicas - testaram a paciência de seu público e membros de seu Quarteto Clássico. Antes que o ano terminasse, Tyner e Jones partiram: Alice assumiu o assento do piano, o jovem Rashied Ali foi adicionado na bateria e Pharoah Sanders no segundo saxofone.



De 1966 até sua morte em 1967, Coltrane era visto como o ponto da lança de uma nova geração de vanguardistas de jazz - uma geração mais politicamente carregada e socialmente consciente do que a anterior, e cuja música refletia a crescente indignação política do público. Tempo. O próprio Coltrane permaneceu humanista, mais em sintonia com a filosofia não violenta do dr. Martin Luther King Jr. do que com a atitude de confronto de Malcolm X ou dos Panteras Negras. No entanto, sua música era uma parte indelével da trilha sonora daquela época turbulenta, e as gravações que fez entre 1965 e 1967 continuam sendo as mais controversas de toda a sua carreira.

Durante os últimos meses de sua vida, Coltrane continuou a avançar com sessões que oscilavam entre faixas que podiam ser intensas e intensas, e tapeçarias sonoras profundamente introspectivas e calmas. As sementes musicais que brotaram durante as sessões de A Love Supreme previram onde Coltrane iria com sua música. Suas medições em “reconhecimento” pressagiam uma atonalidade apaixonada. Seu canto foi ouvido novamente no álbum Om . Seu amor pela poesia ressurgiu em Kulu Se Mama . Seus títulos semelhantes a hinos se tornaram um tema ininterrupto - “Querido Senhor”, “Bem-vindo”, “O Pai, o Filho e o Espírito Santo” - sua sonoridade meditativa refletindo a de Um Amor Supremo .

No último ano de sua vida, quando a reputação e notoriedade de Coltrane atingiram seu nível mais alto, os que estavam próximos a ele sabiam que algo estava errado. Ele estava muitas vezes com dor, sofrendo de câncer de fígado, como foi posteriormente aprendido. No entanto, Coltrane não desistiu. Ele continuou a tocar e gravar, apenas algumas semanas antes de sua morte, em 17 de julho de 1967. O impacto na cena musical foi sísmico; ele deixou para trás uma comunidade atordoada de músicos, assim como sua esposa Alice, uma filha Michelle e três filhos - John Jr., Ravi e Oran - e um catálogo de gravações das quais a música continua a ser emitida e reeditada.

Coltrane morreu em meados de pesquisa, musicalmente conduzido até o fim. Como ele disse a Nat Hentoff no final de 66:


“Nunca há um fim… sempre há novos sons para imaginar, novos sentimentos para se chegar. E sempre há a necessidade de continuar purificando esses sentimentos e sons para que possamos realmente ver o que descobrimos em seu estado puro. Para que possamos ver mais e mais claramente o que somos. . . temos que continuar limpando o espelho.

Muitos buscaram a mesma purificação e, através de seu processo criativo, conseguiram isso. No entanto, poucos têm procurado tão profundamente, provocado com a mesma consistência, tão bem sucedidos quanto Coltrane. Menos ainda terminaram quando começaram: ainda desafiam a si e a sua audiência.

Ainda Coltrane sobe, em estatura e significado. Suas composições e gravações são agora partes permanentes do cânon da grande música americana, reconhecidas pela Biblioteca do Congresso, com muitos introduzidos no Grammy Hall of Fame; agora todos são necessários estudos para jovens músicos na esperança de desvendar os segredos da tradição do jazz. Nos meios de comunicação atuais, Coltrane é muitas vezes conhecido nos programas de televisão e referenciado em grandes filmes de Hollywood como "Malcolm X", "Mo Better Blues", "Jerry McGuire", "Mr. Holland's Opus" e muitos outros. Há até uma rua com o nome dele em sua homenagem no Universal Studios Hollywood, perto dos arquivos da Universal Music, onde muitos dos seus originais mestres de bobina a bobina são arquivados.



Honras póstumas persistem: em 1995, o Serviço Postal dos Estados Unidos colocou Coltrane em um selo postal comemorativo. Em 1997, ele foi agraciado com o Grammy Lifetime Achievement Award. Em '01, o National Endowment for the Arts escolheu “My Favorite Things” para sua lista de 360 ​​Songs Of The Century. Em 2007, Coltrane recebeu o Prêmio Pulitzer, como uma Menção Especial por uma vida de trabalho inovador e influente.

Todas as distinções à parte, é claro que a importância de Coltrane hoje repousa em seu papel duradouro como modelo de sacrifício artístico e visão espiritual, uma voz original que está no topo do panteão dos heróis culturais afro-americanos. A inspiração que seu legado continua a incutir permanece tão forte quanto é necessário - evidência do poder unificador da música: um argumento para valorizar nossa herança coletiva; um ditado para ouvir e aprender um do outro.

Em 2009, um novo presidente foi eleito e na residência privada da Casa Branca, ele pendurou um retrato sincero de Coltrane tirado pelo fotógrafo Jim Marshall, mostrando o saxofonista em um momento particularmente pensativo nos bastidores em 1966. Algumas semanas depois, o Coltrane família recebeu uma foto do presidente contemplando a imagem, com a inscrição:

"... de um grande fã de seu pai, Barack Obama."

- Por Ashley Kahn

Leia Mais ››